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ALMODOVAR, Pedro

Nació el 24 de septiembre de 1951 en Calzada de Calatrava, un pueblecito de la provincia de Ciudad Real, en una familia de arrieros, con gran presencia de mujeres, cuyo mundo plasmaría en películas como Volver. Emigró luego a Madrigalejo (Cáceres) y estudió el bachillerato en Cáceres capital con los padres salesianos y franciscanos, aficionándose al cine. La primera comunión la hizo en el pueblo monegrino de Pleñino.
Marchó a los 16 años a Madrid para estudiar cine, pero no pudo matricularse en la Escuela de Cine, recién cerrada. Trabajó entonces en todo tipo de empleos hasta que logró un puesto de oficinista en Telefónica, que conservó durante doce años, al mismo tiempo que se sumergía de cabeza en el mundo de la movida madrileña, y fue miembro del grupo teatral Los Goliardos, en el que conoció a Félix Rotaeta y a Carmen Maura, y del dúo de punk-glam-rock paródico Almodóvar y McNamara en el que, al lado de Fabio McNamara, generó canciones tan cómicas como Gran ganga o Quiero ser mamá.
Escribió también la novela corta Fuego en las entrañas, alguna fotonovela porno (Toda tuya) y múltiples relatos en periódicos (El País, Diario 16 y La Luna) y comics contraculturales como Star, El Víbora y Vibraciones, creando un personaje propio llamado Pathy Dhyfusa.
Dirigió su primera película Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, con unos 3000 €, que obtuvo de sus amigos y el guión de Erecciones generales, que le había encargado El Víbora.
Su reconocimiento popular comenzaría, sin embargo, con el filme ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), también protagonizado por Carmen Maura, actriz fetiche de sus primeros filmes.
En 1985 rueda el corto Tráiler para amantes de lo prohibido por encargo de TVE para el programa La Edad de Oro, rodado en vídeo y de 18 minutos de duración.
En 1985 fundó, junto a su hermano Agustín, la compañía productora El Deseo, cuyo primer producto sería La ley del deseo (1986), al que seguirían Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1989) y Tacones lejanos (1991), que le permitirían lograr ya cierta repercusión internacional, sobre todo en Francia, y abundantes premios internacionales.
Mujeres al borde de un ataque de nervios sería el primer contacto de Almodóvar con los Óscar, al ser seleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood como candidata al Óscar a la mejor película en lengua extranjera.
A ellas seguiría, tres años después, Tacones lejanos, sin lograr alzarse con la estatuilla.
Tras el descalabro de Kika (1993), su carrera no alcanzó un éxito rotundo hasta 1999, con el éxito internacional de Todo sobre mi madre, que se alzó con numerosos premios en todo el mundo, entre ellos el primer Óscar, en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, un éxito que había sido precedido por la candidatura en la misma categoría, en 1995, de La flor de mi secreto.
En esta época comenzó el desencuentro de Almodóvar con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, manifestando en 2003 que la Academia se había equivocado al no seleccionar su Hable con ella (2001) como candidata española para la categoría de mejor película en lengua extranjera de los premios Óscar.
A la postre, la Academia hollywoodense descartó Los lunes al sol como finalista para la citada categoría, y por el contrario premió con el Óscar al mejor guion a Hable con ella, siendo Almodóvar candidato además en el apartado de mejor director.
Sin embargo, los premios Goya de 2004 volverían a recaer en su mayor parte a la película Mar adentro de Alejandro Amenábar, dejando sin ninguno a la La mala educación, de tal modo que, un año después, Pedro Almodóvar y su hermano Agustín abandonarían la Academia española, alegando su desacuerdo con el sistema vigente de votaciones y cierta animadversión de los académicos hacia su obra.
Tras la muerte de su madre, rememoró su infancia en Volver (2006), película que supuso una especie de reconciliación entre Almodóvar y la Academia de cine española (le fueron concedidos cinco premios Goya). Además, esta película continuó la tendencia de éxito internacional, tanto de él como de su actriz principal (Penélope Cruz, quien junto al resto del reparto femenino del film fue galardonada en el Cannes).
Recibe también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007.
El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.
Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo, como la lluvia dorada de su primer largo en 35 mm Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980).
Su primer trabajo cinematográfico Folle, folle, fólleme... Tim (1978), filmada en Super 8, se circunscribe dentro de este estilo punk.
Este material escandaloso podría pretender, como en el caso de los surrealistas, épater les bourgeois («perturbar a los burgueses»).
Con el tiempo, sin embargo, va puliendo su escritura y desarrollando guiones cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico inspirado en Douglas Sirk.
En películas posteriores como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación americana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación.
También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia.
Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios.
Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes femeninos y las historias cargadas de dramatismo.
En opinión de Lynn Hirschberg, «Almodóvar preside sobre sus cambiantes personajes como un cura benevolente: acepta y perdona prácticamente a todos ellos, no importa lo terrible de sus pecados. Un secuestrador, un violador o un pedófilo pueden tener un corazón puro; por supuesto, los aparentemente inocentes también pueden ser culpables.»[2]
Aunque los analistas expertos en la obra almodovariana no parecen ponerse de acuerdo, podríamos clasificar su obra artística en seis etapas, si bien su cine posee una coherencia tal que podría hablarse sólo de una:
--- etapa «punk»: Folle, folle, fólleme... Tim, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y Laberinto de pasiones;
--- etapa con clara influencia de Berlanga-Fellini: Entre tinieblas y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?;
--- etapa clásica-maestra: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame! y Tacones lejanos;
--- etapa experimental: Kika, La flor de mi secreto y Carne trémula;
--- etapa refinada-vanguardista: Todo sobre mi madre y Hable con ella;
--- etapa retrospectiva-autobiográfica: La mala educación y Volver. En su película Volver se produce el reencuentro con su musa Carmen Maura, la cual encarna el papel de una «abuela fantasma» (película de Enrique Goded, en La mala educación: guiño-pista sobre la próxima película que rodaría). En Volver, Pedro Almodóvar rinde homenaje al luto que incitó al director manchego a plasmar un universo de color, cuyas raíces están ligadas al arte pop promovido por el controvertido Andy Warhol.
Sobreexponer la cotidianidad de personajes marginados y desplazados es una de las características del cine de Pedro Almodóvar.

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BELLIDO, Angel

Novelda ( Alicante), 1945
Grabador residente en Madrid desde 1953, sus grabados son realizados en series que persiguen una y otra vez la combinatoria infinita de los alfabetos.
Angel Bellido esta licenciado en Bellas Artes por la Escuela de San Fernando de Madrid.
Desde los años 70 ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en España, Noruega y Alemania. Como diseñador grafico trabaja habitualmente para editoriales, revistas y organismos publicos.
La Calcografia Nacional de Madrid posee obra suya. Sus grabados se encuentran tambien en colecciones de España, Noruega, Austria y America.

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BIERCE, Ambrose

(Ambrose Gwinett Bierce; Meigs, 1842 - México, 1914) Cuentista y periodista estadounidense de obra aguda y satírica, plena de humor trágico y temas violentos que giran alrededor de la muerte. Su literatura ejerció una fuerte influencia en la costa del Pacífico.
Toda la instrucción que recibió se redujo a la lectura de los libros de su padre, campesino de Connecticut. Al estallar la guerra de Secesión se alistó en el noveno regimiento de Infantería de Indiana; combatió en muchas batallas y se distinguió particularmente en las que tuvieron lugar al oeste del país. Tras la contienda se le confió la administración de los bienes abandonados y capturados en Selma (Alabama).
En 1866, presentada la dimisión, marchó a San Francisco, y empezó a colaborar en los periódicos de la costa del Pacífico Argonaut y News Letter, cuya dirección no tardó en asumir. En 1871 el Overland Monthly (donde, muchos años después, aparecerían las primeras narraciones de Jack London) publicó su novela inicial The Haunted Valley. Al cabo de poco Bierce se casó y se dirigió a Inglaterra; allí, por espacio de cuatro años, perteneció a la redacción londinense del Fun y colaboró en otras publicaciones inglesas con bocetos humorísticos que reunió en tres tomos.
Vuelto a San Francisco en 1876, reanudó la colaboración en los periódicos, y, entre otras actividades, se encargó de una sección del Examiner, de W. R. Hearst. Sin embargo, Bierce no sentía gran afición al periodismo y procuraba amenizar su labor cotidiana escribiendo breves narraciones. En 1896 pasó a las oficinas de Hearst en Washington, y llegó a corresponsal en esta ciudad del American de Nueva York.
La guerra lo marcó para siempre en su visión mórbida de la vida. En el volumen titulado Cuentos de soldados y civiles (1892) la guerra civil aparece como teatro de las acciones; en Fábulas fantásticas (1899) y en el Diccionario del diablo (1906) desarrolla el humor negro que lo hizo famoso; en El clan de los parricidas trata de cuatro asesinatos de progenitores.
Uno de sus cuentos más conocidos es "Un suceso en el puente del riachuelo del búho", donde equilibra la tradición del cuento realista norteamericano con la veta fantástica y de horror de dicha literatura: un hombre es hecho prisionero por los soldados del Norte y está a punto de ser ajusticiado en la horca, pero de pronto logra escapar y se cuenta la huida laboriosa en el río, sus sensaciones, la lucha feroz por eludir las balas, hasta que llega a la casa donde la esposa lo acoge en un abrazo; sin embargo, al final se sabe que ya el hombre colgaba de un árbol, lo que sitúa un relato de corte realista e histórico en un ambiente de muerte y misterio.
Algunos críticos han definido el estilo de Bierce como seco, funcional y mecánico; otros le reprochan la mitificación literaria. Sin embargo, la mayoría coincide en que sus tramas violentas lo convierten en un escritor fascinante. Como periodista, atacó con sus artículos los males que veía a su alrededor, desde el fraude económico hasta la corrupción política. El total de su obra, Collected Works, fue publicado entre 1909 y 1912. En 1913 se fue a México, siguiendo a las tropas de Pancho Villa, y su cuerpo nunca fue hallado. Su fin permanece en el misterio, pero se supone que murió en el sitio de Ojinaga en 1914

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COEN, hermanos Joel y Ethan

Joel e Ethan Coen, conocidos como los hermanos Coen, son directores de cine estadounidenses, de etnia judía. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, y autores de comedias (Arizona Baby, El gran salto, O Brother, Quemar después de leer), de películas de cine negro (Muerte entre las flores, El hombre que nunca estuvo allí, Blood Simple, No Country for Old Men)[1] y también de películas en las que mezclan ambos géneros (Fargo, El gran Lebowski, Barton Fink).
Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director e Ethan como productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Usan el seudónimo Roderick Jaynes para algunos de los montajes de sus películas. Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.
Crecieron en St. Louis Park, Minnesota, en los arrabales de Minneapolis. Su padre era profesor de economía, y su madre profesora de historia del arte.
Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine independiente norteamericano. Capaces de hacer películas que entusiasman a los críticos, ofrecen, también, una vertiente de atracción del gran público.
Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre ellos se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George Clooney (cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen).
Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954, está casado con la actriz Frances McDormand desde 1984. Han adoptado un hijo originario de Paraguay llamado Pedro McDormand Coen (Frances y todos sus hermanos también son adoptados). McDormand ha trabajado como actriz en 6 de la películas de los hermanos Coen, incluyendo una pequeña aparición en Muerte entre las flores, un rol secundario en Raising Arizona, y como protagonista en Blood Simple, The Man Who Wasn't There, Fargo (con la que ganó el premio Óscar) y Burn After Reading.
Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957, está casado con la editora Tricia Cooke.
Viven en la ciudad de Nueva York.
Con mucha influencia del cine negro y otros estilos de cine del pasado, las películas de los hermanos Coen combinan el humor seco con la ironía fina y visuales escandalosas. Prefieren no poner los créditos de presentación al principio de la película. Los hermanos Coen son algunos de los directores contemporáneos que han mostrado afecto por las comedias de los años 30 y 40 ("Screwball comedies"), y han incorporado algunos de sus elementos introduciendo variantes ingeniosas y sutiles, como en El gran salto y Intolerable Cruelty, y en ocasiones colocando a excéntricos personajes habladores como Steve Buscemi en Muerte entre las flores. Su estilo de caracterización crea un mundo en el cual incluso personajes con poca participación, y que hablan poco, parecen tener exagerados rasgos o características. Esto puede estar atribuido a los escenarios de muchas de las películas (por ejemplo los raros y maravillosos personajes de El gran Lebowski no parecen estar por fuera de la realidad de muchas comunidades de Los Angeles).
Estilísticamente y argumentalmente, las películas de los Coen muestran una gran influencia del cine de gangsters del cine negro. Los Coen, que raramente admiten alguna de sus influencias, reconocen libremente el impacto que novelistas clásicos del cine negro han tenido en sus trabajos más oscuros. En particular, Muerte entre las flores esta basada en novelas de Dashiell Hammett, particularmente en The Glass Key y Cosecha roja; El gran Lebowski en novelas de Raymond Chandler y El hombre que nunca estuvo allí en novelas de James M. Cain.
Sus películas también presentan un contraste inhóspito y austero, y temas sobre personas elaborando planes y confabulando, como por ejemplo los secuestros. En los argumentos de sus películas usan la confusión como mecanismo: confusión acerca de quien mató a Rug Daniels y las causas de fricción entre los diferentes bandos mafiosos en Muerte entre las flores; confusión de la copia del plano de Norville que luego le causará dolor en El gran salto; El gran Lebowski comienza con una alfombra estropeada como causa de una confusión de identidad. El hombre que nunca estuvo allí rinde homenaje al cine negro, con un argumento que parece una versión actual y distorsionada de El cartero siempre llama dos veces. La película es en blanco y negro, y ha sido mencionada por varios críticos por su fotografía y sus compasivos personajes, mientras otros críticos hacen mención al filoso cambio en el argumento hacia el final de la película. Los Coen han descrito esos giros como un intento de imitar los inesperados terceros actos de las novelas de Cain.

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CORNEILLE, Pierre

(Ruán, Francia, 1606-París, 1684) Dramaturgo francés. Hijo de un abogado, en 1615 ingresó en el colegio de los jesuitas de Ruán, donde pronto llamaron la atención sus composiciones en versos latinos y algunos poemas dedicados a Catherine Hue. Se licenció en derecho en 1624, y hasta 1628, año en que su padre le consiguió dos cargos jurídicos, realizó prácticas como abogado en el Parlamento de Ruán.
Su primera comedia, Melita, inspirada por una frustrada pasión juvenil, la estrenó en París, en 1629, la compañía de Mondory y Le Noir. Gracias al éxito de la obra, la compañía se estableció en el teatro del Marais, en el que se estrenarían todas las creaciones de Corneille hasta 1647.
Durante siete años, mientras empezaba a ejercer como abogado, sus comedias se sucedieron con rapidez (Clitandro Clitandro o la inocencia liberada, La galería del palacio); además, escribió su primera tragedia, Medea. En 1635, designado por Richelieu como uno de los Cinco Autores, participó en la elaboración de La comedia de las Tullerías (1635).
El arrollador éxito de la tragicomedia El Cid, en enero de 1637, hizo que sólo dos meses después de su presentación circularan ya las primeras copias. La obra suscitó también una enconada polémica, conocida como «la querella del Cid», en parte debida a la acusación de plagio (la obra está basada en Las mocedades del Cid, de Guillén de Castro), pero sobre todo porque rompía con las tres unidades teatrales clásicas (de tiempo, de lugar y de acción), verdadero dogma para el teatro de la época; su osadía le valió incluso la condena oficial de la Academia.
Entre 1640 y 1642, las tragedias Horacio y Cinna lo confirmaron como el mayor dramaturgo de su época; en ellas, el autor se mantuvo dentro de los límites de las unidades clásicas, tal como haría a partir de entonces, y demostró el absoluto dominio que tenía sobre ellas. En 1641 contrajo matrimonio con Marie de Lampérière. A la muerte de Richelieu, gozó de la protección de Mazarino y fue admitido en la Academia Francesa (1647).
En 1650, la maquinaria necesaria para la puesta en escena de Andrómeda, presentada como su obra maestra, justificó la construcción del Théâtre du Petit-Bourbon. Durante la Fronda, renunció al ejercicio de la abogacía para sustituir al procurador general de Normandía, quien fue restablecido en sus funciones en 1651 sin que Corneille pudiera recuperar sus cargos anteriores. Nicomedes, la tragedia que siguió entonces, lo enemistó con Mazarino por su apoyo implícito a Condé, su adversario político.

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DARÍN, Ricardo

Ricardo Darín nace un 16 de enero de 1957 en Buenos Aires, Argentina, proveniente de una familia muy unida al mundo del espectáculo. Cuando cuenta con 10 años, Darín debuta en teatro junto a sus padres, Ricardo Darín y Renée Roxana. A los 16 años consigue una estabilidad dentro del mundo de la televisión argentina en programas como "Alta Comedia" o "Estación Retiro". Bajo las órdenes de Alberto Migré, mayor realizador argentino de telenovelas, consigue una popularidad considerable al ser protagonista en varias de sus producciones.
En la década de los 80, y todavía junto a Migré, Darín salta definitivamente a la fama como parte de los "galancitos", un grupo de jóvenes actores que trasladaron éxitos televisivos al mundo del teatro. Los galancitos cosechan una fama increíble y miles de seguidores se reparten por toda Argentina, haciendo de cada representación un completo éxito. Lejos de quedarse estancado en roles de galán, en los 90 cosecha su mayor triunfo en el mundo de la televisión como cómico, compartiendo cartel junto a Luis Brandoni en la serie Mi cuñado, remake de una serie de la década de los 60.
A pesar de su trabajo constante en el mundo de la televisión, Darín nunca abandona el teatro y sigue realizando obras como "Sugar", "Extraña pareja", "Taxi", "Algo en común" y "Art". Entra discretamente en el mundo de la gran pantalla apareciendo en películas destinadas, sobre todo, al público joven tales como He nacido en la ribera, Así es la vida, La rabona, Los éxitos del amor, La carpa del amor, La discoteca del amor o La canción de Buenos Aires. Intenta un cambio hacía un registro dentro del mundo del cine y llegan nuevas películas, El desquite, Revancha de un amigo o La Rosales, pero el verdadero éxito de Darín tardaría algo más de tiempo en llegar.
La crítica se fija en Darín y lo alaba con su papel en el film Perdido por perdido, dirigida por el debutante Alberto Lecchi. Más tarde participa en El faro, de Eduardo Mignogna y protagoniza El mismo amor, la misma lluvia de Juan José Campanella, siendo otra vez su papel digno de elogio. Pero su salto definitivo lo consigue con su papel de Marcos, un ladrón de poca monta en una Argentina que empieza a agonizar económicamente, en la película Nueve reinas. Darín brilla enormemente en este film que co-protagoniza junto a Gastón Pauls y consigue, finalmente, un nombre de peso dentro de la industria cinematográfica argentina. Después del enorme éxito de Nueve reinas Ricardo tiene un pequeño, pero efectivo, papel en el 2001 de nuevo a las órdenes de Mignogna en la película La fuga. Ese mismo año sería protagonista de El hijo de la novia, junto a actores como Natalia Verbeke, Héctor Alterio o Norma Aleandro. La película fue otro gran éxito de taquilla y crítica, llevándola a ser nominada como "Mejor película extranjera" en la edición del año 2002 de los Oscar.
En el 2004 actuó en Luna de Avellaneda tratando de rescatar el club social y deportivo de sus padres y en el 2005 en El aura encarnó el rol de un taxidermista con memoria fotográfica envuelto en un aprieto del cual no quería formar parte.
En 2007 participó de XXY, que lo muestra como el acomplejado padre de una adolescente de quince años hermafrodita. El mismo año, protagoniza y hace su debut como director con La Señal, continuando el proyecto dejado a medias por Eduardo Mignogna tras su fallecimiento.
En 2009 salió en programas como CQC y Susana Gimenez, y también, junto a Guillermo Francella, protagoniza El secreto de sus ojos, película dramática de Juan José Campanella.

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DEPP, Johnny

Nació en Kentucky pero Johnny Depp se crió en Florida. Su carrera artística empezó como músico: formó parte de varios grupos de rock teniendo bastante éxito con uno de ellos: The Kids. Lori Anne Allison, su esposa desde 1983 hasta 1985 fue quién le presentó a Nicolas Cage, quien le convenció para que se presentara a una prueba cinematográfica, consiguiendo su primer papel en la mítica película Pesadilla en Elm Street (1984) de Wes Craven.
A aquel primer film siguieron otros, entre ellos el oscarizado Platoon de Oliver Stone. Pero lo que realmente marcó su carrera y le convirtió en ídolo de adolescentes fue protagonizar durante cuatro temporadas la serie 21 Jump Street (Jóvenes policías).
Johnny en 1990 volvió al cine con dos trabajos que atrajeron la atención de la crítica: el de Cry-Baby y el de Eduardo Manostijeras. Su entrañable papel en el film de Tim Burton lo situó entre los artistas más deseados de Hollywood. Depp volvió a colaborar con Burton en otras tres películas: Ed Wood, Sleepy Hollow y, más recientemente, Charlie y la fábrica de chocolate.
Tras el éxito de Eduardo Manostijeras, Johnny siguió sorprendiendo a crítica y público con su buen hacer en títulos como Benny and Joon, ¿A quién ama Gilbert Grape? o Dead Man. Incluso fue nombrado mejor actor de su generación por su actuación en Donnie Brasco, donde compartía protagonismo con Al Pacino.
En los últimos años, Johnny Depp ha participado en proyectos como la comedia romántica Chocolat, coprotagonizada por Juliette Binoche; la saga Piratas del Caribe por la que fue nominado al Oscar; El mexicano que interpreta junto a Antonio Banderas y Salma Hayek; y el thriller La ventana secreta.
Depp debutó también como director en 1997 con The Brave, una película que coescribió junto a su hermano y también protagonizó. El film llegó a ser nominado a la Palma de Oro en Cannes.

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DICAPRIO, Leonardo

Nacido en Los Ángeles (California), el 11 de noviembre de 1974, hijo de George DiCaprio, un distribuidor de cómics, e Irmelin Idenbirkim. Su padre es mitad Italoestadounidense y mitad germanoestadounidense. El nombre de Leonardo viene, porque mientras su madre estaba embarazada, frente a una pintura de Leonardo Da Vinci en Italia, él pateó dentro del vientre. Eso hizo que ella decidiera nombrarlo como el aclamado artista. Sus padres se divorciaron cuando tenía un año de edad. Creció en Echo Park (Los Ángeles).
La carrera de DiCaprio comenzó con su aparición en varios anuncios y películas educativas. Consiguió reconocimiento en la televisión en 1990, cuando apareció en la breve serie basada en la película Parenthood. En el estudio, se encontró con otro niño actor, Tobey Maguire, rápidamente se hicieron amigos y pactaron ayudarse mutuamente a encontrar papeles en la televisión y el cine. Después de Parenthood, Leonardo tuvo pequeños papeles en varios shows, incluyendo The New Lassie y Roseanne, así como una breve temporada en la telenovela Santa Bárbara, interpretando al joven Capwell Mason.

Su primer papel en una película fue en Critters 3, una cinta de terror de bajo presupuesto, que fue directamente a vídeo. Poco después, en 1991, se convirtió en miembro recurrente del elenco de la exitosa comedia de ABC Growing Pains, interpretando a Lucas Brower, un niño sin hogar que es acogido por los Seavers.
El éxito llegó en 1992, cuando consiguió el papel de Toby Wolff en This Boy's Life, co-protagonizada por Robert De Niro y Ellen Barkin. Su actuación como el adolescente problemático que es hostigado por De Niro, fue bien recibida por la crítica. Más tarde, en 1993, actuó como el hermano con discapacidad mental de Johnny Depp en ¿A quién ama Gilbert Grape?. Su actuación le valió nominaciones para los premios Óscar y los Globos de Oro en la categoría de mejor actor de reparto.
1995 fue un año agitado para DiCaprio. Ese año, actuó en cuatro películas, primero en Rápida y mortal, protagonizada por Sharon Stone y Russell Crowe, donde interpreto al hijo del villano, interpretado por Gene Hackman.
Después de Rápida y mortal, protagonizó Total Eclipse, un relato novelado de la relación homosexual entre Paul Verlaine (David Thewlis) y Arthur Rimbaud. El actor River Phoenix fue escogido originalmente como Rimbaud, pero murió antes de la producción.
Entre 1995 y 1996 se filmó el drama en blanco y negro Don's Plum, cinta independiente de bajo presupuesto protagonizada por Leonardo y varios de sus amigos (incluyendo Tobey Maguire). DiCaprio y Maguire trataron de impedir su estreno, ya que argumentaban que no tenían la intención estrenarla en el cine. Sin embargo, la cinta se estrenó en Berlín en el 2001.
También en 1995, interpretó a Jim Caroll en Diario de un rebelde, una historia que trata la drogadicción y los vicios en un grupo de jóvenes basquetbolistas. En 1996 la película de Baz Luhrmann, Romeo + Julieta, destacó a Leonardo como el protagonista masculino y fue una de las primeras películas en darle el estatus de "estrella de cine", recaudando en taquilla un total de $147 millones de dólares. Más tarde ese año protagonizó La sangre que nos une, junto a Meryl Streep y Diane Keaton.
El paso de "estrella" a "super estrella" se dio cuando DiCaprio interpretó a Jack Dawson en la superproducción de 1997, Titanic, junto a Kate Winslet como Rose DeWitt Bukater. Se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos y recibió 11 premios Óscar. En 1998, hizo un cameo en la sátira de Woody Allen, Celebrity. Ese año también actuó haciendo un doble papel en El hombre de la máscara de hierro. Su popularidad en la época fue conocida como la "Leo-manía", comparando su repentina fama y la euforia de las seguidoras a la de los Beatles en la década de los 1960s, conocida como "Beatlemanía". El hombre de la máscara de hierro se vio beneficiada por la "Leo-Mania", esto por su muy alta ganancia monetaria en taquilla a nivel mundial (sobre todo fuera de Estados Unidos) a pesar de ser una película considerada mediocre.
En el 2000, Leonardo ya había adquirido cierta fama en los tabloides y la prensa por sus excesos y llevar una vida de indulgencia, ya que los medios lo captaban constantemente con sus amigos en fiestas y centros nocturnos. Le siguió el proyecto de Danny Boyle, La playa, de ese mismo año, que presentó muchos problemas en su rodaje y que finalmente fracasó en taquilla.
En el 2002, DiCaprio protagonizó Gangs of New York (dirigida por Martin Scorsese) y Atrápame si puedes (dirigida por Steven Spielberg). Ambas películas fueron muy bien recibidas por la crítica y la taquilla. Leonardo y Scorsese hicieron equipo de nuevo para realizar una cinta biográfica del pionero estadounidense de la aviación, Howard Hughes, en El aviador. DiCaprio obtuvo una nominación al Óscar al mejor actor.
Fue la primera opción para protagonizar el film El buen pastor, dirigida por Robert De Niro, por cuestión de compromisos previos, no pudo participar en ella y el papel quedo en manos de Matt Damon, co-protagonista en The Departed.
Leonardo continuó su trabajo con Scorsese en la película de 2006, Infiltrados junto a Matt Damon, Mark Wahlberg y el veterano Jack Nicholson. Interpretó a Billy Costigan, un policía encubierto en la mafia de Boston. Su siguiente película fue Diamante de sangre, de 2006, donde compartió créditos con Jennifer Connelly y Djimon Hounsou. La película en sí recibió críticas generalmente favorables y DiCaprio fue elogiado por la autenticidad de su acento sudafricano, conocido como un acento bastante difícil de emular.
En 2006, fue nominado dos veces en la misma categoría: Mejor Actor por Diamante de sangre e Infiltrados en los Globos de Oro y el Broadcast Film Critics Association. También en el mismo año, recibió dos nominaciones a los Screen Actors Guild Awards, una nominación al "Mejor Actor" por Diamante de sangre y una nominación al "Mejor Actor Secundario" por Infiltrados. Obtuvo una nominación al Óscar al mejor actor por Diamante de sangre.
DiCaprio protagonizó en 2008 Red de mentiras, dirigida por Ridley Scott y co-protagonizada por Russell Crowe, Vince Colosimo, y Golshifteh Farahani. El mismo año, apareció en la elogiada Revolutionary Road, una adaptación de la novela de 1961 de Richard Yates. En esta última Leonardo logró reunirse con sus co-estrellas de Titanic, Kate Winslet y Kathy Bates. DiCaprio fue nominado para el Globo de Oro al "Mejor Actor" por su intensa actuación.
DiCaprio protagoniza el thriller Shutter Island, una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Dennis Lehane, dirigida por Scorsese. También aparece en la cinta de ciencia ficción Inception, dirigida y producida por Christopher Nolan estrenada en Agosto de 2010.

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DILLINGER, John

Nació el 22 de junio de 1903 en Indianápolis, Indiana, sus padres fueron John Wilson Dillinger (1864–1943) y la primera esposa de éste, Mary Ellen Lancaster (1860-1907). Se alistó en la Armada de los Estados Unidos, pero desertó a los pocos meses, siendo dado de baja sin honra militar. Regresó a Indiana, donde se casó el 12 de abril de 1924, con su novia, Beryl Ethel Hovious (de solamente 16 años), en un intento por establecerse. Sin embargo, tuvo dificultades para conseguir trabajo y su matrimonio se desmoronó, divorciándose el 20 de junio de 1929.
Una noche de 1924, un criminal ocasional que era amigo de Dillinger, llamado Ed Singleton, lo convenció de colaborar en el asalto a un conocido tendero de la localidad, llamado Frank Morgan. La policía los capturó después del asalto. Singleton contrató un abogado para apelar su sentencia, recibiendo sólo dos años de prisión, mientras que el propio Dillinger, que no pudo contar con representación legal, fue condenado y enviado a prisión. Su sentencia fue de nueve años.
Dillinger se dio al estilo de vida criminal durante su estancia en la cárcel, aprendiendo de sus compañeros los trucos para robar bancos. Junto a varios de ellos planeó algunos atracos, sobre todo cuando se reunían durante sus labores en la lavandería de la Prisión del Estado de Indiana. Algunos miembros de su primera banda fueron Harry Pierpont, Russell Clark, Charles Makley, Walter Dietrich y John “Red” Hamilton.
Sus mayores delitos se cometieron a partir de mayo de 1933, cuando salió en libertad condicional después de cumplir ocho años y medio de condena. Al poco tiempo, roba un banco en Bluffton, Ohio. La policía lo arrestó el 22 de septiembre, y fue internado en la cárcel estatal de Ohio, a la espera del juicio. Cuatro días después, algunos amigos de Dillinger (Harry Pierpont, Russell Clark, Charles Makley y Harry Copeland) que habían escapado de la Prisión del Estado de Indiana, se presentaron vistiendo uniformes ante el sheriff Jessie Sarber de la prisión de Lima, haciéndose pasar por gendarmes que querían llevar al preso de regreso al penal de Indiana. El sheriff no les creyó y cuando les pidió sus credenciales, uno de los criminales sacó su arma y le disparó. Luego tomaron las llaves, liberaron a Dillinger de su celda y encerraron a la esposa del sheriff en otra, para después huir.
Aunque ninguno de estos criminales había violado específicamente alguna ley federal, se requirió al FBI su asistencia para identificar y localizar a los ladrones. Después de que la División de Identificación del FBI confirmara la identidad de los delincuentes por sus huellas dactilares, comenzó su búsqueda para la captura.
Mientras tanto la banda de Dillinger lograba efectuar varios robos a bancos. En estos atracos había muy pocos muertos –en algunos casos ninguno- y el público que leía las noticias en los periódicos, molestos con los banqueros por los efectos recesivos de la Gran Depresión, comenzó a idealizar a Dillinger como un ladrón justiciero y con notable estilo personal. Incluso los números de la banda parecieran ser discretos en cuanto a la violencia utilizada en sus robos, a pesar de que después del rescate de su líder, sustrajeron todo un arsenal de armas de la policía de Auburn en Indiana. Luego, el 14 de diciembre, John Hamilton, uno de sus miembros, disparó y mató a un detective en Chicago. Un mes después, durante un tiroteo, la banda mató al oficial de policía William O’Malley en el robo al Primer Banco Nacional Del Este De Chicago, en Indiana. La banda se trasladó posteriormente a Florida, y subsecuentemente, a Tucson, Arizona. Allí, el 23 de enero de 1934, ocurrió un incendio en el hotel Historic Hotel Congress donde Clark y Makley se escondían utilizando nombres falsos. Los bomberos reconocieron a los hombres por sus fotografías, y un policía local los arrestó, al igual que a Dillinger y a Harry Pierpont. Se les encontraron varias armas y más de 25.000 dólares en efectivo, que representaban una fortuna para la época, parte del robo al Banco en Chicago.
Dillinger fue llevado a la cárcel de Crown Point, Indiana, a la espera de su juicio por el asesinato del policía O’Malley, muerto en el tiroteo del robo al Banco Este de Chicago. Las autoridades alardearon mucho acerca de que la prisión era a prueba de escapes, pero el 3 de marzo de 1934, Dillinger utilizó uno de sus trucos para escapar. Talló un objeto con forma de pistola en un material aún sin especificar –posiblemente una barra de jabón, o madera- y amedrentó a los guardias de la prisión para que le abrieran la celda y poder huir, después de encerrar a sus custodios. Este hecho le abrevió más el camino a la fama.
Después de avergonzar a las autoridades, Dillinger escapó en el auto de la sheriff Lillian Holley, un nuevo y flamante Ford V8. La prensa hizo mofa de esta acción y publicó encabezados donde se burlaban de la sheriff Holley, lo cual aumentó la popularidad del ladrón. Sin embargo, el prófugo cometió el error de cruzar la línea estatal divisoria de Indiana-Illinois en el auto robado, violando así una ley federal e involucrando al FBI en su captura.
Mientras tanto, Pierpont, Makley y Clark, fueron devueltos a la cárcel de Ohio y sentenciados por el asesinato del sheriff de Ohio. Pierpont y Makley fueron sentenciados a muerte, y Clark a cadena perpetua. Pero en un intento de escape, Makley fue muerto y Pierpont sufrió una herida. Un mes después, Pierpont se recobró lo suficiente para ser ejecutado.
El último día de su vida fue el 22 de julio de 1934, cuando asistió a ver la película Manhattan Melodrama protagonizada por Clark Gable, curiosamente un filme acerca de gángsters. Asistió al Biograph Theater acompañado de su novia Polly Hamilton y de una tal Ana Sage (cuyo verdadero nombre era Ana Cumpanas), que era originaria de Rumanía y estaba enfrentando cargos de deportación por abrir un burdel. Sage trabajaba de manera encubierta en coordinación con el agente Melvin Purvis, del FBI, con quien había acordado que, a cambio de ayudar a la captura del ladrón, evitaría la deportación.
A las 22:30, Dillinger salió del recinto acompañado de sus dos mujeres flanqueándolo. Previamente Sage había dado aviso al FBI, y Purvis vigilaba la entrada del lugar. Cuando el trío salió caminando por allí, Purvis encendió un cigarrillo para dar la señal a sus hombres de acercarse. Dillinger rápidamente se dio cuenta de lo que sucedía y actuó instintivamente. Sacó una pistola de su bolsillo derecho y corrió por la calle, mientras tres agentes del FBI le disparaban 5 tiros, tres de los cuales, acertaron en el cuerpo de Dillinger. Éste cayó abatido al suelo, boca abajo. A las 22:50 , John Dillinger fue declarado muerto en un pequeño cuarto del hospital Alexian Brothers Hospital. A pesar de que Ana Sage lo entregó a las autoridades como había prometido, fue deportada a su país natal, Rumanía, en 1936, donde permaneció hasta su muerte, once años después.

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FONDA, Jane

Jane Seymour Fonda (n. 21 de diciembre de 1937) es una actriz, escritora y activista política estadounidense ganadora del premio Óscar en dos ocasiones.
Hija del actor Henry Fonda y de Frances Ford Seymour. Tiene ancestros alemanes y el apellido Fonda es original de Holanda. Aparentemente el nombre de Jane está inspirado por lady Jane Seymour, la tercera mujer de Enrique VIII de Inglaterra, quien es una pariente lejana por parte de su madre. El «Jayne» viene del nombre del medio de su padre Jaynes.
Su hermano, Peter Fonda (nacido en 1940), y su sobrina Bridget Fonda (nacida en 1964), también son actores. Tiene una hermanastra mayor, Frances Brokaw, así como una hermana adoptada, Amy, quien nació en 1953
Estudió en el Actor's Studio y debutó con Me casaré contigo (J. Logan, 1960). En sus años jóvenes realizó algunas películas comerciales donde se explotaba su llamativo físico, como Barbarella. Posteriormente abordó proyectos más arriesgados e ideológicamente polémicos, lo que unido a sus convicciones pacifistas y ecologistas le acarreó cierta fama de personaje problemático e incluso antipatriota.
Ha interpretado entre otras películas, Danzad, danzad malditos (Sidney Pollack, 1969), Klute, con la que ganó su primer Oscar (A. J. Pakula, 1970), El síndrome de China con Jack Lemmon, El regreso, que le dio su segundo Oscar (H. Ashby, 1977), la fallida superproducción El pájaro azul con Elizabeth Taylor, Julia, que supuso el debut en el cine de Meryl Streep, En el estanque dorado (última película de su padre Henry Fonda), Agnes de Dios (N. Jewison, 1986), Gringo viejo con Gregory Peck (L. Puenzo, 1989) y Cartas a Iris con Robert de Niro (M. Ritt, 1990).
Jane Fonda ha estado casada tres veces. Primero con el director francés Roger Vadim, desde 1965 hasta 1973, y con el que tuvo una hija llamada Vanessa. Poco después se casó con Tom Hayden, autor y político. El segundo matrimonio duró desde 1973 hasta 1990 y tuvieron un hijo llamado Troy Garity, nacido en 1973, quien también es actor. Su tercer matrimonio fue con Ted Turner, un magnate de la televisión por cable y fundador de la CNN. Duró desde 1991 hasta 2001.

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GALLEGOS, Rómulo

(Rómulo Gallegos Freire, Caracas, Venezuela, 1884 - 1969) Novelista y político venezolano. Rómulo Gallegos hizo estudios universitarios de Agrimensura y de Derecho en la Universidad Central de su país, pero no llegó a terminarlos. Empleado de ferrocarriles y profesor en colegios privados, llegó a ser subdirector de la Escuela Normal y director del Liceo de Caracas (1922-1928).
El dictador Juan Vicente Gómez le nombró en 1931 senador por el estado de Apure, pero sus convicciones democráticas le hicieron expatriarse y renunciar al cargo. En 1935, muerto el dictador, Rómulo Gallegos volvió a Venezuela, y en 1936 fue nombrado ministro de Educación en el gobierno de López Contreras, cargo al que también renunció por los mismos escrúpulos morales.
En 1947 fue elegido presidente de la República, pero fue derrocado al año siguiente por una junta militar encabezada por Carlos Delgado Chalbaud. Exiliado de nuevo en Cuba y México, Rómulo Gallegos regresó a su país al ser liberado éste de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez en 1958.
En sus comienzos de narrador, Rómulo Gallegos publicó Los aventureros (1913), una colección de relatos. Siguió a esta obra El último Solar (1920), una novela que reeditaría en 1930 con el título de Reinaldo Solar, historia de la decadencia de una familia aristocrática a través de su último representante, en el que se adivina a su amigo Enrique Soublette, con quien fundara en 1909 la revista Alborada.

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GOYA

Francisco de Goya nació en el año 1746, en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, hijo de un dorador de origen vasco, José, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Avecinada la familia en la capital zaragozana, entró el joven Francisco a aprender el oficio de pintor en el taller del rutinario José Luzán, donde estuvo cuatro años copiando estampas hasta que se decidió a establecerse por su cuenta y, según escribió más tarde él mismo, "pintar de mi invención".
A medida que fueron transcurriendo los años de su longeva vida, este "pintar de mi invención" se hizo más verdadero y más acentuado, pues sin desatender los bien remunerados encargos que le permitieron una existencia desahogada, Goya dibujó e hizo imprimir series de imágenes insólitas y caprichosas, cuyo sentido último, a menudo ambiguo, corresponde a una fantasía personalísima y a un compromiso ideológico, afín a los principios de la Ilustración, que fueron motores de una incansable sátira de las costumbres de su tiempo.
Pero todavía antes de su viaje a Italia en 1771 su arte es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún respaldo ni éxito alguno; incluso fracasó estrepitosamente en los dos concursos convocados por la Academia de San Fernando en 1763 y 1769. Las composiciones de sus pinturas se inspiraban, a través de los grabados que tenía a su alcance, en viejos maestros como Vouet, Maratta o Correggio, pero a su vuelta de Roma, escala obligada para el aprendizaje de todo artista, sufrirá una Todavía en esta primera etapainteresantísima evolución ya presente en el fresco del Pilar de Zaragoza titulado La gloria del nombre de Dios. Goya se ocupa más de las francachelas nocturnas en las tascas madrileñas y de las majas resabidas y descaradas que de cuidar de su reputación profesional y apenas pinta algunos encargos que le vienen de sus amigos los Bayeu, tres hermanos pintores, Ramón, Manuel y Francisco, este último su inseparable compañero y protector, doce años mayor que él. También hermana de éstos era Josefa, con la que contrajo matrimonio en Madrid en junio de 1773, año decisivo en la vida del pintor porque en él se inaugura un nuevo período de mayor solidez y originalidad.
Por esas mismas fechas pinta el primer autorretrato que le conocemos, y no faltan historiadores del arte que supongan que lo realizó con ocasión de sus bodas. En él aparece como lo que siempre fue: un hombre tozudo, desafiante y sensual. El cuidadoso peinado de las largas guedejas negras indica coquetería; la frente despejada, su clara inteligencia; sus ojos oscuros y profundos, una determinación y una valentía inauditas; los labios gordezuelos, una afición sin hipocresía por los placeres voluptuosos; y todo ello enmarcado en un rostro redondo, grande, de abultada nariz y visible papada.
Cartonista de la Fábrica de Tapices
Poco tiempo después, algo más enseriado con su trabajo, asiduo de la tertulia de los neoclásicos presidida por Leandro Fernández de Moratín y en la que concurrían los más grandes y afrancesados ingenios de su generación, obtuvo el encargo de diseñar cartones para la Real Fábrica de Tapices de Madrid, género donde pudo desenvolverse con relativa libertad, hasta el punto de que las 63 composiciones de este tipo realizadas entre 1775 y 1792 constituyen lo más sugestivo de su producción de aquellos años. Tal vez el primero que llevó a cabo sea el conocido como Merienda a orillas del Manzanares , con un tema original y popular que anuncia una serie de cuadros vivos, graciosos y realistas: La riña en la Venta Nueva , El columpio , El quitasol y, sobre todo, allá por 1786 o 1787,El albañil herido .
Este último, de formato muy estrecho y alto, condición impuesta por razones decorativas, representa a dos albañiles que trasladan a un compañero lastimado, probablemente tras la caída de un andamio. El asunto coincide con una reivindicación del trabajador manual, a la sazón peor vistos casi que los mendigos por parte de los pensadores ilustrados. Contra este prejuicio se había manifestado en 1774 el conde de Romanones, afirmando que "es necesario borrar de los oficios todo deshonor, sólo la holgazanería debe contraer vileza". Asimismo, un edicto de 1784 exige daños y perjuicios al maestro de obras en caso de accidente, establece normas para la prudente elevación de andamios, amenaza con cárcel y fuertes multas en caso de negligencia de los responsables y señala ayudas económicas a los damnificados y a sus familias. Goya coopera, pues, con su pintura, en esta política de fomento y dignificación del trabajo, alineándose con el sentir más progresista de su época.Hacia 1776, Goya recibe un salario de 8.000 reales por su trabajo para la Real Fábrica de Tapices. Reside en el número 12 de la madrileña calle del Espejo y tiene dos hijos; el primero, Eusebio Ramón, nacido el 15 de diciembre de 1775, y otro nacido recientemente, Vicente Anastasio. A partir de esta fecha podemos seguir su biografía casi año por año. En abril de 1777 es víctima de una grave enfermedad que a punto está de acabar con su vida, pero se recupera felizmente y pronto recibe encargos del propio príncipe, el futuro Carlos IV. En 1778 se hacen públicos los aguafuertes realizados por el artista copiando cuadros de Velázquez, pintor al que ha estudiado minuciosamente en la Colección Real y de quien tomará algunos de sus asombrosos recursos y de sus memorables colores en obra futuras.
Pintor de la corte
Al año siguiente solicita sin éxito el puesto de primer pintor de cámara, cargo que finalmente es concedido a un artista diez años mayor que él, Mariano Salvador Maella. En 1780, cuando Josefa concibe un nuevo hijo de Goya, Francisco de Paula Antonio Benito, ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con el cuadro Cristo en la cruz , que en la actualidad guarda el Museo del Prado de Madrid, y conoce al mayor valedor de la España ilustrada de entonces, Gaspar Melchor de Jovellanos, con quien lo unirá una estrecha amistad hasta la muerte de este último en 1811. El 2 de diciembre de 1784 nace el único de sus hijos que sobrevivirá, Francisco Javier, y el 18 de marzo del año siguiente es nombrado subdirector de Pintura de la Academia de San Fernando. Por fin, el 25 de junio de 1786, Goya y Ramón Bayeu obtienen el título de pintores del rey con un interesante sueldo de 15.000 reales al mes.
A sus cuarenta años, el que ahora es conocido en todo Madrid como Don Paco se ha convertido en un consumado retratista, y se han abierto para él todas las puertas de los palacios y algunas, más secretas, de las alcobas de sus ricas moradoras, como la duquesa Cayetana, la de Alba, por la que experimenta una fogosa devoción. Impenitente aficionado a los toros, se siente halagado cuando los más descollantes matadores, Pedro Romero, Pepe-Hillo y otros, le brindan sus faenas, y aún más feliz cuando el 25 de abril de 1789 se ve favorecido con el nombramiento de pintor de cámara de los nuevos reyes Carlos IV y doña María Luisa.
La enfermedad y el aislamiento
Pero poco tiempo después, en el invierno de 1792, cae gravemente enfermo en Sevilla, sufre lo indecible durante aquel año y queda sordo de por vida. Tras meses de postración se recupera, pero como secuela de la enfermedad pierde capacidad auditiva. Además, anda con dificultad y presenta algunos problemas de equilibrio y de visión. Se recuperará en parte, pero la sordera será ya irreversible de por vida.
La historia ha especulado en múltiples ocasiones sobre cuál fue la enfermedad de Goya. Los médicos (fue atendido por los mejores facultativos del momento) no coincidieron en cuanto al diagnóstico. Algunos achacaron el mal a una enfermedad venérea, otros a una trombosis, otros al síndrome de Menière, que está relacionado con problemas del equilibrio y del oído. También, más recientemente, se ha creído que podía haberse intoxicado con algunos de los componentes de las pinturas que usaba.
Comenzó, entonces, una nueva etapa artística para Goya. Debido a la pérdida de audición y a las secuelas de la grave enfermedad que había padecido, el maestro tuvo que adaptarse a un nuevo tipo de vida. No menguó, pese a lo que se ha dicho en ocasiones, su capacidad productiva ni su genio creativo. Siguió pintando y todavía realizaría grandes obras maestras de la historia del arte. La pérdida de capacidad auditiva le abriría, sin lugar a dudas, las puertas de un nuevo universo pictórico. Los graves problemas de comunicación y relación que la sordera ocasionan, harían también que Goya iniciase un proceso de introversión y aislamiento. El pesimismo, la representación de una realidad deformada y el matiz grotesco de algunas de sus posteriores pinturas son, en realidad, una manifestación de su aislada y singular (aunque extremadamente lúcida) interpretación de la época que le tocó vivir.
Por obvios problemas de salud Goya tuvo que dimitir como director de pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en 1797. Un año más tarde él mismo confesaba que no le era posible ocuparse de los menesteres de su profesión en la Real Fábrica de Tapices por hallarse tan sordo que tenía que comunicarse gesticulando.
Majas y Caprichos
Desde los años de infancia, en las Escuelas Pías de Zaragoza, por donde Goya pasó sin pena ni gloria, une al pintor una entrañable amistad, que pervivirá hasta la muerte, con Martín Zapater, a quien a menudo escribe cartas donde deja constancia de pormenores de su economía y de otras materias personales y privadas. Así, en epístola fechada en Madrid el 2 de agosto de 1794, menciona, bien que pudorosamente, la más juguetona y ardorosa de sus relaciones sentimentales: "Más te valía venirme a ayudar a pintar a la de Alba, que ayer se me metió en el estudio a que le pintara la cara, y se salió con ello; por cierto que me gusta más pintar en lienzo, que también la he de retratar de cuerpo entero." El 9 de junio de 1796 muere el duque de Alba, y en esa misma primavera Goya se traslada a Sanlúcar de Barrameda con la duquesa de Alba, con quien pasa el verano.
De estos hechos arranca la leyenda que quiere que las famosísimas majas de Goya, La maja vestida y La maja desnuda , condenadas por la Inquisición como obscenas tras reclamar amenazadoramente la comparecencia del pintor ante el Tribunal, fueran retratos de la descocada y maliciosa doña Cayetana, aunque lo que es casi seguro es que los lienzos fueron pintados por aquellos años. También se ha supuesto, con grandes probabilidades de que sea cierto, que ambos cuadros estuvieran dispuestos como anverso y reverso del mismo bastidor, de modo que podía mostrarse, en ocasiones, la pintura más decente, y en otras, como volviendo la página, enseñar la desnudez deslumbrante de la misma modelo, picardía que era muy común en Francia por aquel tiempo en los ambientes ilustrados y libertinos.
Las obras se hallaron, sea como fuere, en 1808 en la colección del favorito Godoy; eran conocidas por el nombre de "gitanas", pero el misterio de las mismas no estriba sólo en la comprometedora posibilidad de que la duquesa se prestase a aparecer ante el pintor enamorado con sus relucientes carnes sin cubrir y la sonrisa picarona, sino en las sutiles coincidencias y divergencias entre ambas. De hecho, la maja vestida da pábulo a una mayor morbosidad por parte del espectador, tanto por la provocativa pose de la mujer como por los ceñidos y leves ropajes que recortan su silueta sinuosa, explosiva en senos y caderas y reticente en la cintura, mientras que, por el contrario, la piel nacarada de la maja desnuda se revela fría, académica y sin esa chispa de deliciosa vivacidad que la otra derrocha.
Un nuevo misterio entraña la inexplicable retirada de la venta, por el propio Goya, de una serie maravillosa y originalísima de ochenta aguafuertes titulada Los Caprichos , que pudieron adquirirse durante unos pocos meses en la calle del Desengaño nº 1, en una perfumería ubicada en la misma casa donde vivía el pintor. Su contenido satírico, irreverente y audaz no debió de gustar en absoluto a los celosos inquisidores y probablemente Goya se adelantó a un proceso que hubiera traído peores consecuencias después de que el hecho fuera denunciado al Santo Tribunal. De este episodio sacó el aragonés una renovada antipatía hacia los mantenedores de las viejas supersticiones y censuras y, naturalmente, una mayor prudencia cara al futuro, entregándose desde entonces a estos libres e inspirados ejercicios de dibujo según le venía en gana, pero reservándose para su coleto y para un grupo selecto de allegados los más de ellos.
Mientras, Goya va ganando tanto en popularidad como en el favor de los monarcas, hasta el punto de que puede escribir con sobrado orgullo a su infatigable corresponsal Zapater: "Los reyes están locos por tu amigo"; y en 1799, su sueldo como primer pintor de cámara asciende ya a 50.000 reales más cincuenta ducados para gastos de mantenimiento. En 1805, después de haber sufrido dos duros golpes con los fallecimientos de la joven duquesa de Alba y de su muy querido Zapater, se casa su hijo Javier, y en la boda conoce Goya a la que será su amante de los últimos años: Leocadia Zorrilla de Weiss.
El horror de la guerra
El 3 de mayo de 1808, al día siguiente de la insurrección popular madrileña contra el invasor francés, el pintor se echa a la calle, no para combatir con la espada o la bayoneta, pues tiene más de sesenta años y en su derredor bullen las algarabías sin que él pueda oír nada, sino para mirar insaciablemente lo que ocurre. Con lo visto pintará algunos de los más patéticos cuadros de historia que se hayan realizado jamás: el Dos de mayo, conocido también como La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Madrid y el lienzo titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid.
En Los fusilamientos del 3 de mayo, la solución plástica a esta escena es impresionante: los soldados encargados de la ejecución aparecen como una máquina despersonalizada, inexorable, de espaldas, sin rostros, en perfecta formación, mientras que las víctimas constituyen un agitado y desgarrador grupo, con rostros dislocados, con ojos de espanto o cuerpos yertos en retorcido escorzo sobre la arena encharcada de sangre. Un enorme farol ilumina violentamente una figura blanca y amarilla, arrodillada y con los brazos formando un amplio gesto de desafiante resignación: es la figura de un hombre que está a punto de morir.
Durante la llamada guerra de la Independencia, Goya irá reuniendo un conjunto inigualado de estampas que reflejan en todo su absurdo horror la sañuda criminalidad de la contienda. Son los llamados Desastres de la guerra , cuyo valor no radica exclusivamente en ser reflejo de unos acontecimientos atroces sino que alcanza un grado de universalidad asombroso y trasciende lo anecdótico de una época para convertirse en ejemplo y símbolo, en auténtico revulsivo, de la más cruel de las prácticas humanas.
El pesimismo goyesco irá acrecentándose a partir de entonces. En 1812, muere su esposa, Josefa Bayeu; entre 1816 y 1818 publica sus famosas series de grabados, la Tauromaquia y los Disparates; en 1819 decora con profusión de monstruos y sórdidas tintas una villa que ha adquirido por 60.000 reales a orillas del Manzanares, conocida después como la Quinta del Sordo: son las llamadas "pinturas negras", plasmación de un infierno aterrante, visión de un mundo odioso y enloquecido; en el invierno de 1819 cae gravemente enfermo pero es salvado in extremis por su amigo el doctor Arrieta, a quien, en agradecimiento, regaló el cuadro titulado Goya y su médico Arrieta (1820, Institute of Art, Minneápolis). En 1823, tras la invasión del ejército francés los Cien Mil Hijos de San Luis, venido para derrocar el gobierno liberal, se ve condenado a esconderse y al año siguiente escapa a Burdeos, refugiándose en casa de su amigo Moratín.

En 1826, Goya regresó a Madrid, donde permaneció dos meses, para marchar de nuevo a Francia. Durante esta breve estancia el pintor Vicente López Portaña (que se encontraba en su mejor momento de prestigio y técnica) realizó un retrato de Goya, cuando éste contaba ya con ochenta años. Enfrentado al viejo maestro, de rostro aún tenso y enérgico, López Portaña llevó a cabo la obra más recia y valiosa de su extensísima actividad de retratista, tantas veces derrochada en la minucia cansada de traducir encajes, rasos o terciopelos con aburrida perfección. Este lienzo, hoy en el Museo del Prado, es el retrato más conocido de Goya, mucho más, incluso, que los también famosos autorretratos del pintor.
El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid, cien años después de que Goya pintara los frescos de dicha iglesia (1798).
En el Museo del Prado se conserva La joven de Burdeos o La lechera de Burdeos (1825-1827), una de sus últimas obras. Pero acaso su auténtico testamento había sido fijado ya sobre el yeso en su quinta de Madrid algunos años antes: Saturno devorando a un hijo , es sin duda, una de las pinturas más inquietantes de todos los tiempos, síntesis inimitable de un estilo, que reúne extrañamente lo trágico y lo grotesco, y espejo de un Goya, visionario, sutil, penetrante, lúcido y descarnado.

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HOWARDS Roper, Sylvester

Corría el año 1868. Por aquel entonces, un visionario americano llamado Sylvester Howards Roper se hizo una pregunta: ¿Qué pasaría si a una bicicleta le adapto un motor a vapor? Dicho y hecho. Roper fabricó un motor de dos cilindros utilizando el carbón como combustible, lo incrustó en el cuadro de una bicicleta y creó lo que hoy podríamos denominar como pre-historia de las motocicletas.
Dejando la literatura épica a un lado, lo que está claro es que Roper dio un gran paso basado es un mecanismo muy sencillo: un depósito de agua, una caldera de carbón, dos pistones y a rodar.
Sin embargo, la historia de Roper no tuvo un final feliz, ya que fue víctima de su propia creación. En 1896, falleció de un infarto al corazón mientras probaba una de sus motos a más de 90 kilómetros por hora.

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HUXLEY, Aldous

(Aldous Leonard Huxley, Godalming, 1894 - Los Ángeles, 1963) Novelista y ensayista inglés de prosa enciclopédica y a la vez visionaria. Se educó en una familia de sólida tradición intelectual. En su juventud quedó prácticamente ciego, y en 1942 publicó un libro, El arte de ver, acerca de sus esfuerzos para recuperar la visión. Se graduó en literatura inglesa en el Balliol College de Oxford (1913-1915) y trabajó para la célebre revista Athenaeum y como crítico de teatro en la Westminster Gazzette.
Sus primeras publicaciones fueron colecciones de versos, entre ellos The Burning Wheel (1916), Jonah (1917) y Leda (1920). De su prosa, la primera entrega fue Limbo (1920) y prosiguió con cuentos como los de La envoltura humana (1922). Ya en 1921 publicó su primera novela, Los escándalos de Crome, crítica mordaz de los ambientes intelectuales. Viajó constantemente con su esposa, tanto por Europa como por Estados Unidos, América y la India. Residió en Italia, donde escribió una de sus obras notables, Contrapunto (1928), en la cual despliega su solidez intelectual y las técnicas novedosas del arte de la novela.
En 1932 publicó otra gran obra, Un mundo feliz, tal vez su libro más importante y uno de los que lo hizo más conocido: una ficción futurista de carácter visionario y pesimista de una sociedad regida por un sistema de castas, y donde imagina una sustancia o droga llamada soma, utilizada con fines totalitarios. En 1936 publicó Ciego en Gaza, de carácter autobiográfico, en el que desarrolló la contraposición entre intelecto y sexo.
Tras ello comenzó su "época mística"; en 1941 se acercó a la literatura religiosa de la India, tuvo contactos con La Sociedad Vedanta de Los Ángeles y colaboró en la revista Vedanta and the West hasta 1960. En 1944 publicó El Tiempo debe detenerse, inspirada por El Libro Tibetano de los muertos, y en 1946 una colección comentada de textos místicos de todos los tiempos, La filosofía perenne, libro que ha ejercido influencia por el punto de vista tan abierto adoptado para sustentar la idea de lo sagrado; aquí contrapuso la espiritualidad mística a la técnica y pragmatismo modernos.
En 1948 publicó Mono y esencia, prosa intelectual que influyó en varios escritores, entre ellos el cubano J. Lezama Lima, que recomendaba su lectura en su "curso délfico". A partir de la década de 1950 inició una nueva etapa de su vida relacionada con las experiencias con las drogas, de las que resultó su popular libro Las puertas de la percepción (1954), que tuvo también mucha influencia en la sociedad norteamericana. En 1963 dio a conocer su última obra, Literatura y ciencia, que como el título indica es una aproximación entre ambos mundos.
Además de ser considerado uno de los iniciadores de la psicodelia, por sus meditaciones en torno a las experiencias con mezcalina y LSD, Huxley fue el portavoz de la clase intelectual de la primera mitad del siglo XX; siguió paso a paso a sus contemporáneos desde el escepticismo superficial de posguerra, hasta la angustia trágica de un mundo vuelto impersonal por las nuevas y monstruosas técnicas de las guerras sucesivas. Sus libros quedarán, no sólo por su valor documental, sino también por la fresca lozanía de su prosa y por un cierto sabor original hecho de erudición, de ironía y de seriedad.

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KEYNES, John Maynard

Economista inglés (Cambridge, 1883 - Firle, Sussex, 1946). Recibió una educación de elite en Eton y Cambridge, orientándose hacia la economía por consejo de su maestro, Alfred Marshall. Tras un breve periodo trabajando en el servicio administrativo británico para la India, en 1909 entró como profesor en el King’s College de Cambridge, donde enseñaría economía hasta su muerte. Fue un hombre de vasta cultura, un humanista erudito y de prosa exquisita, gran orador, contertulio y mecenas de intelectuales y artistas; pero también fue un hombre de mundo interesado por los asuntos políticos y por la economía práctica, dedicando parte de su tiempo a negocios ajenos y propios con los que llegaría a hacerse millonario.
Pero su obra decisiva fue la Teoría general de la ocupación, el interés y el dinero (1936), con la que dio una respuesta definitiva a la grave depresión económica desencadenada en todo el mundo a partir del crash de la Bolsa de Nueva York de 1929. Retomando intuiciones olvidadas de los teóricos del subconsumo (como Malthus), Keynes indicó que la causa de la crisis era la insuficiencia de la demanda, debida a la creciente propensión marginal al ahorro de las sociedades desarrolladas (esto es: que a medida que aumenta la renta, es mayor la parte de ésta que se destina al ahorro y menor la que se dedica al consumo, con lo que una parte de la producción no encuentra comprador). En su opinión, el desempleo así originado no podía remediarse únicamente con medidas monetarias. La debilidad del consumo privado sólo podía remediarse incrementando el gasto público en periodos de recesión, haciendo que el Estado incurriera en un déficit para crear demanda adicional. La importancia de los puntos de vista contenidos en aquel libro fue tal que fundó toda una rama de la teoría económica moderna, la macroeconomía, dedicada a explorar las relaciones entre los grandes agregados de la renta nacional. Tras vencer las resistencias conservadoras de la ortodoxia liberal, la «revolución keynesiana» fue penetrando en el mundo académico y en las políticas económicas de los países: influyó quizá sobre el New Deal de Franklin D. Roosevelt, pero fue sobre todo después de la Segunda Guerra Mundial (1939-45) cuando se extendió como una nueva ortodoxia, determinando las políticas económicas de todo el mundo occidental durante más de tres décadas de crecimiento sostenido. Los partidos conservadores y liberales se sumaron a esta política capaz de devolver la estabilidad al sistema capitalista después de los sobresaltos del periodo de Entreguerras; e incluso los socialdemócratas la aceptaron con entusiasmo, en la medida en que justificaba la intervención del Estado en la economía y el crecimiento del sector público. El prestigio alcanzado por Keynes fue tal que el rey Jorge VI le nombró barón en 1942, ingresando en la Cámara de los Lores. Al final de su vida ejerció una influencia directa sobre la política económica de su país como director del Banco de Inglaterra y asesor del ministro del Tesoro. En 1944 presidió la delegación británica en la Conferencia de Bretton Woods, donde contribuyó a dar forma al Fondo Monetario Internacional.

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MANN, Michael

Nació el 5 de febrero de 1943 en Chicago, Illinois. Cursó estudios en la Universidad de Wisconsin. Posteriormente se radica en Londres y tras graduarse en la London Film School, comienza a trabajar en pequeñas producciones, documentales y comerciales para la televisión. En 1972 regresó a los Estados Unidos donde dirigió el documental 17 Days Down the Line y escribe los guiones de los primeros episodios de varias series de televisión como Starsky & Hutch y Police Story. Dirige su primera película en 1979, The Jericho Mile, que ganó un premio Emmy y recibió el premio Directors Guild of America al mejor director. En 1981 aparece Thief, protagonizado por James Caan y, en 1983, escribió y dirigió The Keep, rodada en Inglaterra. Regresa a la televisión con las series Corrupción en Miami y Crime Story. En 1992 dirigió El último mohicano, protagonizado por Daniel Day-Lewis y Madeleine Stowe y después, Heat, cinta de gran éxito comercial y de crítica en 1995, protagonizada por Al Pacino, Robert de Niro, Val Kilmer y Jon Voight. En 1999 llega a las pantallas, The Insider, una dramatización de un hecho real destapado por la prestigiosa revista "Vanity Fair", cuando un ejecutivo despedido de una sociedad tabaquera importante, Brown & Williamson desvela los métodos utilizados por el equipo químico de la empresa para incrementar la adicción al tabaco y en el 2001 estrena Ali, con la actuación de Will Smith, como el carismático campeón de boxeo.

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MÉDEM, Julio

Nació el 21 de octubre de 1958 en San Sebastián. Desde pequeño empieza a jugar con la cámara superocho que esconde su padre, y rueda escenas cotidianas que tienen como protagonista a su hermana Ana. Aunque se licencia en medicina y cirugía general, nunca abandona su gran pasión: el cine. Su primer trabajo es en el diario La voz de Euskadi, donde colabora como crítico cinematográfico. Tras algunas colaboraciones en publicaciones varias, rueda finalmente sus primeros cortos en superocho.
Después de trabajar en algunas obras como El jueves pasado (1977) o Si yo fuera poeta (1981), se lanza a rodar por primera vez en 35 mm. Patas en la cabeza (1985), producida por Luis Campoy y el propio Medem, consigue ganar el Premio de Cine Vasco y el Certamen Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao. En este mismo certamen, pero un año más tarde, gana el Premio Telenorte con su galardonado cortometraje Las seis en punta (1987).
Desde ese año, Medem trabaja como ayudante de dirección, montador y guionista, y se dedica por completo al cine. En 1988 escribe y dirige el mediometraje Martín (1988), producido por Elías Querejeta, al que le sigue otra película sobre la Segunda Guerra Carlista. Su salto al largometraje lo hace con Vacas (1992), una original historia que merece el Goya a la Mejor Dirección Novel, además de diversos galardones en los festivales de Tokio, Turín y Alejandría.
En 2000 fallece su hermana Ana en un accidente de tráfico cuando se dirigía a inaugurar una exposición. Este hecho sirvió para que en 2007 estrenara la película Caótica Ana.

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MELCHOR de Jovellanos, Gaspar

(Gijón, España, 1744-Vega, id., 1811) Político y escritor español. Hijo de una familia de la pequeña nobleza, estudió en Oviedo, Ávila y Alcalá, en cuyo colegio de San Ildefonso se doctoró en cánones a los veintiún años de edad. Tras finalizar los estudios, ingresó en la Administración, y en 1767 fue trasladado a Sevilla para desempeñar el cargo de alcalde del Crimen.
Ya en fecha muy temprana empezó a compatibilizar sus tareas laborales con su afición por el estudio y la escritura, influido siempre por las corrientes ilustradas. En 1787 presentó el drama El delincuente honrado, escrito en 1773, y por las mismas fechas se aproximó a la poesía con las epístolas Jovino a sus amigos de Salamanca, de tono moralizante y neoclásico, y A sus amigos de Sevilla, de contenido sentimental.
En 1797, tras un breve período como embajador en Rusia, fue nombrado secretario de Gracia y Justicia, pero sólo pudo ocupar el cargo durante un año debido a las presiones ejercidas por Godoy para lograr su destitución. Durante este breve período destacó por su voluntad reformista y por su lucha contra la Inquisición y las propiedades de la Iglesia.
Tras ser relevado del cargo regresó a Gijón, donde ejerció como consejero de Estado, aunque también por poco tiempo, puesto que se vio afectado por la oleada de conservadurismo antiilustrado de la época. Se le acusó de haber introducido en España una copia del Contrato social de Rousseau, libro prohibido en aquel momento, y por ello fue encarcelado y deportado a Mallorca (marzo de 1801).
Hasta mayo de 1802 residió en la cartuja de Valldemosa, en la cual escribió Memoria sobre educación pública, obra en la que defendía la necesidad de establecer la enseñanza del catalán en Mallorca, al tiempo que proponía la creación de un centro educativo en la isla. Posteriormente fue confinado en el castillo de Bellver, en donde sufrió un período de incomunicación forzosa que aprovechó para redactar varias obras, entre las cuales destacan las Memorias históricas sobre el castillo de Bellver, publicadas póstumamente, y un Tratado teoricopráctico de la enseñanza. Sólo fue liberado tras el motín de Aranjuez, en marzo de 1808, tres años antes de su muerte.

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ORTEGA y Gasset, José

(Madrid, 1883 - 1955) Filósofo español. Su pensamiento, plasmado en numerosos ensayos, ejerció una gran influencia en varias generaciones de intelectuales.
tHijo del periodista José Ortega Munilla, hizo sus estudios secundarios en el colegio de Miraflores del Palo (Málaga) y los universitarios en Deusto y Madrid, en cuya universidad se doctoró en Filosofía y Letras con una tesis sobre Los terrores del año mil (1904), subtitulada Crítica de una leyenda. Entre 1905 y 1908 completó sus estudios en Leipzig, Berlín y Marburgo, donde asistió a los cursos del neokantiano Hermann Cohen.
Fue catedrático de Metafísica (su titular anterior había sido Nicolás Salmerón) de la Universidad de Madrid entre 1910 y 1936. En 1916 fue designado académico de la de Ciencias Morales y Políticas. Fundó la Revista de Occidente (1923-1936), la publicación intelectual más abierta al pensamiento europeo de nuestro siglo. Aneja a ella ha funcionado una editorial que, así como su salón de tertulias, ha representado la más selecta modernidad intelectual de su época.
Elegido diputado al proclamarse la república, fundó con Marañón y Pérez de Ayala la Agrupación al Servicio de la República. A partir de 1936 vivió en Francia, Holanda, Argentina y Portugal. Regresó a España en 1945 y residió (salvo viajes al extranjero, especialmente a Alemania) en Madrid. En 1948 fundó con su discípulo, el prestigioso Julián Marías, el Instituto de Humanidades.
Ortega ocupó un lugar de privilegio en la historia del pensamiento español de las décadas centrales del siglo XX. Maestro de varias promociones de jóvenes intelectuales, no sólo fue un brillante divulgador de ideas sino que elaboró un discurso filosófico de notable originalidad.
Gran parte de su actividad se canalizó a través del periodismo, un mundo que conocía por motivos familiares y se adecuaba perfectamente a la esencia de sus tesis y a sus propósitos de animar la vida cultural del país. Además de colaborar en una extensa nómina de publicaciones, fundó el diario El Sol (1917), la revista España (1915) y la Revista de Occidente (1923).
En sus artículos y ensayos trató temas muy variados y siempre incardinados en la actualidad de su época, tanto de filosofía y política como de arte y literatura. Su obra no constituye una doctrina sistematizada sino un programa abierto del que son buena muestra los ocho volúmenes de El espectador (1916-1935), donde vertió agudos comentarios sobre los asuntos más heterogéneos.
No obstante, como denominador común de su pensamiento puede señalarse el perspectivismo, según el cual las distintas concepciones del mundo dependen del punto de vista y las circunstancias de los individuos, y la razón vital, intento de superación de la razón pura y la razón práctica de idealistas y racionalistas. Para Ortega, la verdad surge de la yuxtaposición de visiones parciales, en la que es fundamental el constante diálogo entre el hombre y la vida que se manifiesta a su alrededor, especialmente en el universo de las artes.
El núcleo del ideario orteguiano se encuentra en obras como España invertebrada (1921), El tema de nuestro tiempo (1923), La rebelión de las masas (1930), Ideas y creencias (1940), Historia como sistema (1940) y ¿Qué es filosofía? (1958).
Las cuestiones de estética y crítica literaria fueron objeto de sus reflexiones en Meditaciones del Quijote (1914), Ideas sobre la novela (1925), La deshumanización del arte (1925), Goethe desde dentro (1932), Papeles sobre Velázquez y Goya (1950) e Idea del teatro (1958). Permanentemente cercano a la realidad inmediata, abordó los asuntos políticos en Vieja y nueva política (1914), La decadencia nacional (1930), Misión de la universidad (1930) o Rectificación de la República (1931).

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PABLO Bonet, Juan

Nuestro personaje nació alrededor del año 1573 (la fecha exacta no se ha podido determinar), en El Castellar, una población ubicada en las cercanías de Zaragoza. “Juan” era el nombre, y su apellido, “Pablo Bonet” 2 . Cuando tenía 7 años, debido a la muerte de su madre, se mudó a Madrid, donde residió la mayor parte de su vida. A partir de 1603 comenzó a trabajar como secretario de oficiales del ejército español, lo que inició en el entonces enclave español de Orán (hoy territorio argelino). En 1607, a sus treinta y cuatro años, regresa Juan Pablo Bonet a Madrid desde Africa, se casa con Mencía Ruicerezo (con quien, en 1616, tuvo un hijo, llamado Diego), y entra al servicio del Condestable de Castilla, Juan Fernández de Velasco, de nuevo como secretario. En esos años debió recibir el título de « Valet Servant », un reconocimiento palaciego de bajo rango que se añadía, como otros títulos, al nombre. Incluso así aparece el nombre de nuestro personaje en las portadas de su libro de 1620: “Juan Pablo Bonet Barletserbant” . De allí que algunas biografías de Juan Pablo Bonet le sumen ese título al nombre, como si fuera un apellido más 3 .
Juan de Velasco murió en 1613, pero Pablo Bonet continuó en la casa, ahora como secretario del hijo de Juan, Bernardino Fernández de Velasco, nuevo Condestable. En esa labor continuó hasta 1618, cuando recibiera, de manos de la viuda de Juan de Velasco, el nombramiento de administrador (“contador”) de la casa familiar, y de manos del rey, el cargo de “Administrador General de las cuentas tocantes a la renta y servicio del montazgo de los ganados del reino, pertenecientes al Rey N. S.”. En 1620, todavía en casa de los Velasco, publicó Bonet el libro Reduction de las letras…, dedicado al Rey de España, y motivado, como afirma el fraile M. Mola, uno de sus censores, por el provecho espiritual de los mudos, que mediante este arte y libro pueden gozar y usar de los sacramentos de la iglesia. Como por la utilidad que para la enseñanza común de las demás materias no menos curiosas de que trata (Bonet 1620, folio VI) Dos años después, en 1622, Juan Pablo Bonet abandonó la casa de los Velasco para convertirse en Secretario del Rey Felipe IV. En esas labores tuvo también una activa figuración como diplomático. Similares ocupaciones mantuvo hasta su muerte, acaecida en 1633.
Como vemos, Juan Pablo Bonet fue fundamentalmente un burócrata al servicio de gentes muy poderosas, que ocupó toda su vida cargos de alta influencia política. Hoy se le suele recordar, sin embargo, por la sola virtud del libro que publicó acerca de la educación de los sordos, que no es poco.
Su libro es principalmente un tratado de Lingüística castellana. Tomás Navarro, por ejemplo, considera a Juan Pablo Bonet un pionero de los estudios fonéticos de nuestra lengua (Tomás Navarro 1932). Ese mérito le es reconocido aparte de su intención pedagógica con los sordos.
El libro comienza con una larga lista de autorizaciones eclesiásticas, recomendaciones de notables, dedicatorias e incluso un poema de Lope de Vega al autor. La primera parte del trabajo, que dedica un capítulo entero a la etimología de la palabra “letra”, es, entre otros variados temas, un enjundioso tratado sobre fonética castellana (que se desarrolla con la idea de que se usará más adelante para enseñar a hablar a los mudos). La segunda parte del libro es propiamente el Tratado “para enseñar a hablar a los mudos”. En él argumenta su autor sobre la “reducción de las letras”, y desarrolla la idea de que los valores sonoros de las letras del alfabeto latino usado entonces en España podían ser “reducidos” a un valor constante, es decir, el más general de sus valores. El sonido de la letra “ene”, por ejemplo, se reduce a su valor fonético [n]. Según Juan Pablo Bonet, este sencillo razonamiento permitiría que los cualquier persona aprendiera a escribir sin dificultades ni aburrimiento. El método era primeramente para oyentes, pero podría ser usado con los sordos si se usaban las señas de un alfabeto manual (que ilustra el libro, publicado por el monje español Melchor S. de Yebra), y siempre y cuando estos sordos no tuvieran dañada la lengua.

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POLANSKI, Roman

De ancestros judíos , experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia (Polonia), creyendo que allí estarían más seguros. El mudarse a Polonia se convirtió en la primera, de muchas, desgracias de su vida. Durante la guerra perdió a su madre —católica "clasificada racialmente" como judía por parte de padre— en los campos de concentración. Su padre estuvo también recluido dos años en un campo de concentración
Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawe... (1957), Usmiech zebiczny (1957), Dwaj ludzie z szafa (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962.
Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, como su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.
Gracias al reconocimiento cosechado con El cuchillo en el agua, Polanski rodó Repulsión (1965). Escribió el guión junto con su amigo Gérard Brach y contó con una banda sonora del también íntimo Krzysztof Komeda, que ya había realizado varias composiciones musicales para los cortos de Roman. Esta película fue ya producida por una compañía más o menos importante y significó su primera gran producción en el Reino Unido, con Catherine Deneuve como estrella principal y con un argumento de thriller psicológico que le valió varios premios, incluido el Oso de Plata en el festival de Berlín de ese año.
En 1966 filmó Callejón sin salida (Cul-de-sac), de nuevo en Reino Unido, con Donald Pleasence como protagonista, en la que aparte del ambiente claustrofóbico tan característico del autor, deja ver atisbos de un humor negro muy particular que acompañará algunas de sus mejores películas. Cul-de-sac obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios.
En 1967 Polanski dio el gran salto a los Estados Unidos con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rodó en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano.
En 1968, Polanski rodó en EE.UU. una de sus películas más emblemáticas y polémicas: Rosemary's Baby (conocida en Hispanoamérica como El bebé de Rosemary y como La semilla del diablo en España). Interpretada por la actriz Mia Farrow la película obtuvo numerosos premios (entre ellos varias nominaciones al Óscar), logró el éxito internacional y tuvo gran repercusión. Cabe destacar que Polanski tenía en mente utilizar para el papel protagonista a su mujer, Sharon. Sin embargo, al no decir los productores nada al respecto Roman desechó la idea.
Por aquel tiempo, Polanski se había mudado a una enorme mansión en el 10050 de Cielo Drive en Los Ángeles (California), donde tuvo lugar uno de los sucesos que marcarían su vida, tanto personal como cinematográfica. Su mujer, la actriz Sharon Tate, que se encontraba embarazada de ocho meses, fue una de las víctimas de la masacre que la banda de Charles Manson realizó en dicha casa. Los sucesos tuvieron lugar mientras Polanski se encontraba en Londres preparando otro largometraje, El Día del Delfín, que jamás terminó. El suceso ocurrió la madrugada del 9 de agosto y Polanski tenía en mente regresar el día 12 a tierras norteamericanas, luego de estar desde el 20 de julio en la capital británica.
En 1974 Polanski volvió por la puerta grande, al rodar Chinatown, una película inspirada en los clásicos del cine negro, con las apariciones estelares de Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. La película fue un éxito mundial y lograría 11 nominaciones a los Óscar, de los que obtendría tan sólo uno, así como otros numerosos premios.
En 1977, a los 43 años, Polanski, se vio involucrado en un escándalo junto a Samantha Gailey , de 13 años de edad. Según Samantha Gailey, Polanski la llevó a la casa de Jack Nicholson en Mulholland Drive para fotografiarla para la revista Vogue. Gailey declaró que Polanski le dio champán y metacualona, le tomó fotos con el pecho desnudo y después la llevó a un jacuzzi, donde mantuvo relaciones sexuales consentidas, aunque luego Gailey declaró que se negó verbalmente en varias ocasiones.
En 1979, tras un intenso rodaje de más de año y medio en Francia, Polanski estrenó Tess, basada en la novela de época de Thomas Hardy, con Nastassja Kinski como protagonista. Dedicó el filme a su fallecida esposa Sharon Tate (con un simple «To Sharon»), quien dio la novela a Polanski junto con otras pertenencias el último día que se vieron antes de que volviera la actriz a Los Ángeles. "Podemos hacer una película fascinante con este libro" le dijo en ese momento. Tess fue uno de los mayores éxitos de su carrera, logrando varios Globos de Oro y estando nominada a 6 estatuillas en los Óscar, de las que conseguiría tres. Cabe destacar por el propio Polanski que con Tess lograría la cumbre de su carrera, si bien el propio director tenía pensado hacerla dándole el papel protagonista a la propia Sharon.
En 1986 regresó con Piratas, proyecto que pretendía haber rodado diez años atrás inspirándose en las películas de piratas y que, sin Jack Nicholson como protagonista, fue, como vaticinaron las productoras diez años atrás, un fracaso comercial.
Dos años más tarde, con 55 años, volvió al género de suspense con una producción estadounidense rodada en Francia: Frenético, junto a Harrison Ford y la que sería la futura esposa de Polanski en 1989, Emmanuelle Seigner, de 22 años. Frenético funcionó muy bien comercialmente y permitió al director adentrarse en temas aún más oscuros en cuanto a la relación de pareja en Lunas de hiel, su siguiente trabajo, de nuevo con Emmanuelle Seigner como protagonista junto a Peter Coyote y Hugh Grant. El filme se estrenó en 1992 y, sin llegar a estar considerada de lo mejor de la filmografía de Polanski, supera los trabajos del director en la década de los 80 y 90.
Tras abandonar un proyecto cinematográfico con John Travolta en 1996 por desavenencias con el actor, en 1999 Polanski rodó La novena puerta, en la que adaptó de forma original la novela de Arturo Pérez-Reverte El club Dumas y otorgó el papel protagonista a Johnny Depp. El filme, aunque fue un éxito comercial, se ganó el estatus de una de las peores películas de Polanski por parte de la crítica.
En 2002 recibió la Palma de Oro de la 55ª edición del festival de Cannes, máximo galardón del certamen, por el filme El pianista, adaptación de las memorias de Władysław Szpilman, pianista judío polaco que sobrevivió a las masacres nazis gracias a la ayuda de un oficial alemán. En la 75 edición de los Óscar, El pianista recibió tres galardones; mejor actor (Adrien Brody), mejor guión original (Ronald Harwood) y mejor director para Polanski, que no asistió a la ceremonia por ser prófugo de la justicia estadounidense.
Polanski estrenó (diciembre de 2005 en España) Oliver Twist (2005), una película con la que se identificaba. En 2007 se preparaba para un nuevo giro en su carrera, con la adaptación de la novela "Pompeya" de Robert Harris. Demoras ajenas a su voluntad le obligaron a renunciar en septiembre de 2007 tras varios años dedicados al proyecto.
En febrero de 2009 Polanski inició en Berlín el rodaje de The Ghost, que también incluye secuencias filmadas en el Studio Babelsberg, de Potsdam (Brandenburgo), los mismos estudios donde filmó El pianista, así como en la Isla de Sylt. Polanski ha escrito también el guión, adaptado de la novela homónima del escritor ingles Robert Harris, distribuida en España bajo el título El poder en la sombra. Cuenta con la fotografía del operador polaco Pawel Edelman, el mismo de El pianista y Oliver Twist, además de sus productores habituales: Robert Benmussa, Timothy Burrill y Alain Sarde. Los actores protagonistas son el escocés Ewan McGregor y el irlandés Pierce Brosnan. Y como secundarios los ingleses Olivia Williams, Kim Cattrall y Tom Wilkinson, así como los estadounidenses Timothy Hutton y James Belushi, entre otros. La productora es Summit International. The Ghost se estrenó en Alemania el 18 de febrero de 2010. Según el diario alemán Märkische Allgemeine, Polanski habló de la película a la prensa en el Filmmuseum Potsdam, el 19 de febrero de 2009.
Sin embargo fue detenido sorpresivamente el sábado 26 de septiembre 2009 en Zúrich por los cargos de abuso sexual que pesaban sobre él en Estados Unidos desde 1977, por los que pesaba contra él una orden de búsqueda y captura. Polanski había sido invitado por el Festival de Cine de Zúrich.
El hecho que este caso haya sido reabierto en el momento en el que el director estrenara su pelicula mas politica y màs peligrosa para la administración americana no deja de ser considerado como sospechoso.
Por este motivo no pudo estar presente en la entrega del Premio al Mejor Director que se le concedió el 20 de febrero de 2010 en el Festival de Berlín por su película The ghost writer. La película se estrenó en España como El escritor, el 26 de marzo, con excelentes críticas de la prensa generalista y especializada.

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SCORSESE, Martin

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. Flushing, Queens, Nueva York; 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.
Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.
Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgará el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento."
Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.
Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.
En 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. Sobre un libreto de Paul Schrader, uno de los guionistas más brillantes de las últimas décadas del siglo XX en EEUU, quien se inspiró en varias noches noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II. La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto.
Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guión de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista. Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo Óscar por este papel), y Joe Pesci a su hermano. Además, ésta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje
En 1986, dirigió The Color of Money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera
Finalmente Scorsese pudo filmar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo) en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme.
En 1993 Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York.
En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su alianza con Leonardo DiCaprio
Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada película The Departed (Los infiltrados), con la cual cosechó numerosos elogios. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematograficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE. UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista. Sin embargo muchos seguidores suyos opinan que no es más que un premio de consolación para una película menor en su brillante filmografía.
Scorsese ha estado casado con Helen Morris desde 1999, es su quinta esposa. Tienen una hija, Francesca, quien aparece en The Departed y en The Aviator.Tiene una hija, Catherine, de su primer matrimonio con Laraine Brennan, otra hija, Domenica Cameron-Scorsese, que es actriz, de su segundo matrimonio, con Julia Cameron. Scorsese también estuvo casado con Isabella Rossellini desde 1979 hasta su divorcio en 1982. También contrajo matrimonio con Barbara De Fina en 1985, el cual terminó en divorcio.
Reside habitualmente en Nueva York.
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TOLSTOI, León

(Liev Nikoláievich Tolstói; Yasnaia Poliana, 1828 - Astapovo, 1910) Escritor y ruso. Hijo del noble propietario y de la acaudalada princesa María Volkonski, Tolstói viviría siempre escindido entre esos dos espacios simbólicos que son la gran urbe y el campo, pues si el primero representaba para él el deleite, el derroche y el lujo de quienes ambicionaban brillar en sociedad, el segundo, por el que sintió devoción, era el lugar del laborioso alumbramiento de sus preclaros sueños literarios.
El muchacho quedó precozmente huérfano, porque su madre falleció a los dos años de haberlo concebido y su padre murió en 1837. Pero el hecho de que después pasara a vivir con dos tías suyas no influyó en su educación, que estuvo durante todo este tiempo al cuidado de varios preceptores masculinos no demasiado exigentes con el joven aristócrata.
En 1843 pasó a la Universidad de Kazán, donde se matriculó en la Facultad de Letras, carrera que abandonó para cursar Derecho. Estos cambios, no obstante, hicieron que mejorasen muy poco sus pésimos rendimientos académicos y probablemente no hubiera coronado nunca con éxito su instrucción de no haber atendido sus examinadores al alto rango de su familia.
Además, según cuenta el propio Tolstoi en Adolescencia, a los dieciséis años carecía de toda convicción moral y religiosa, se entregaba sin remordimiento a la ociosidad, era disoluto, resistía asombrosamente las bebidas alcohólicas, jugaba a las cartas sin descanso y obtenía con envidiable facilidad los favores de las mujeres. Regalado por esa existencia de estudiante rico y con completa despreocupación de sus obligaciones, vivió algún tiempo tanto en la bulliciosa Kazán como en la corrompida y deslumbrante ciudad de San Petersburgo.
Al salir de la universidad, en 1847, escapó de las populosas urbes y se refugió entre los campesinos de su Yasnaia Poliana natal, sufriendo su conciencia una profunda sacudida ante el espectáculo del dolor y la miseria de sus siervos. A raíz de esta descorazonadora experiencia, concibió la noble idea de consagrarse al mejoramiento y enmienda de las opresivas condiciones de los pobres, pero aún no sabía por dónde empezar. De momento, para dar rienda suelta al vigor desbordante de su espíritu joven decidió abrazar la carrera militar e ingresó en el ejército a instancias de su amado hermano Nicolás. Pasó el examen reglamentario en Tiflis y fue nombrado oficial de artillería.
El enfrentamiento contra las guerrillas tártaras en las fronteras del Cáucaso tuvo para él la doble consecuencia de descubrirle la propia temeridad y desprecio de la muerte y de darle a conocer un paisaje impresionante que guardará para siempre en su memoria. Enamorado desde niño de la naturaleza, aquellos monumentales lugares grabaron en su ánimo una nueva fe panteísta y un indeleble y singular misticismo.
Al estallar la guerra de Crimea en 1853, pidió ser destinado al frente, donde dio muestras de gran arrojo y ganó cierta reputación por su intrepidez, pero su sensibilidad exacerbada toleró con impaciencia la ineptitud de los generales y el a menudo baldío heroísmo de los soldados, de modo que pidió su retiro y, tras descansar una breve temporada en el campo, decidió consagrarse por entero a la tarea de escribir.
Lampiño en su época de estudiante, mostachudo en el ejército y barbado en la década de los sesenta, la estampa que se hizo más célebre de Tolstoi es la que lo retrata ya anciano, con las luengas y pobladas barbas blancas reposando en el pecho, el enérgico rostro hendido por una miríada de arrugas y los ojos alucinados. Pero esta emblemática imagen de patriarca terminó por adoptarla en su excéntrica vejez tras arduas batallas para reformar la vida social de su patria, empresa ésta jalonada en demasiadas ocasiones por inapelables derrotas.
Durante algún tiempo viajó por Francia, Alemania, Suiza..., y de allí se trajo las revolucionarias ideas pedagógicas que le moverían a abrir una escuela para pobres y fundar un periódico sobre temas didácticos al que puso por nombre Yasnaia Poliana. La enseñanza en su institución era completamente gratuita, los alumnos podían entrar y salir de clase a su antojo y jamás, por ningún motivo, se procedía al más mínimo castigo. La escuela estaba ubicada en una casa próxima a la que habitaba Tolstoi y la base de la enseñanza era el Antiguo Testamento.
Pronto fue imitada por otras, pero su peligrosa novedad, junto a los ataques del escritor contra la censura y a su reivindicación de la libertad de palabra para todos, incluso para los disidentes políticos, despertó las iras del gobierno que a los pocos años mandó cerrarla. Era uno de los primeros reveses de su proyecto reformador y uno de los primeros encontronazos con las fuerzas vivas de Rusia, aunque no sería el único. Sus discrepancias con la Iglesia Ortodoxa también se hicieron notorias al negar abiertamente su parafernalia litúrgica, denunciar la inútil profusión de iconos, los enrarecidos ambientes con olor a incienso y la hipocresía y superficialidad de los popes.
Además, cargó contra el ejército basándose en el Sermón de la Montaña y recordando que toda forma de violencia era contraria a la enseñanza de Cristo, con lo que se ganó la enemistad juramentada no sólo de los militares sino del propio zar. Incluso sus propios siervos, a los que concedió la emancipación tras el decreto de febrero de 1861, miraron siempre a Tostoi, hombre tan bondadoso como de temperamento tornadizo, con insuperable suspicacia.
A pesar de ser persona acostumbrada a meditar sobre la muerte, el trágico fallecimiento de su hermano Nicolás, acaecido el 20 de septiembre de 1860, le produjo una extraordinaria conmoción y, al año siguiente, se estableció definitivamente en Yasnaia Poliana. Allá trasladará en 1862 a su flamante esposa Sofía Behrs, hija de un médico de Moscú con quien compartió toda su vida y cuya abnegación y sentido práctico fue el complemento ideal para un hombre abismado en sus propias fantasías.
Sofía era entonces una inocente muchacha de dieciocho años, deslumbrada por aquel experimentado joven de treinta y cuatro que tenía a sus espaldas un pasado aventurero y que además, con imprudente sinceridad, quiso que conociese al detalle sus anteriores locuras y le entregó el diario de su juventud donde daba cuenta de sus escandalosos desafueros y flirteos. Con todo, aquella doncella que le daría trece hijos, no titubeó ni un momento y aceptó enamorada la proposición de unir sus vidas, contrato que, salvando períodos tormentosos, habría de durar casi medio siglo.
Merced a los cuidados que le prodigaba Sofía en los primeros y felices años de matrimonio, Tolstoi gozó de condiciones óptimas para escribir su asombroso fresco histórico titulado Guerra y paz, la epopeya de la invasión de Rusia por Napoleón en 1812, en la que se recrean nada menos que las vidas de quinientos personajes. El abultado manuscrito fue pacientemente copiado siete veces por la esposa a medida que el escritor corregía; también era ella quien se ocupaba de la educación de los hijos, de presentar a las niñas en sociedad y de cuidar del patrimonio familiar.
La construcción de este monumento literario le reportó inmediatamente fama en Rusia y en Europa, porque fue traducido enseguida a todas las lenguas cultas e influyó notablemente en la narrativa posterior, pero el místico patriarca juzgó siempre que gozar halagadamente de esta celebridad era una nueva forma de pecado, una manera indigna de complacerse en la vanidad y en la soberbia.
Si Guerra y paz había comenzado a publicarse por entregas en la revista El Mensajero Ruso en 1864 y se concluyó en 1869, muchas fueron después las obras notables que salieron de su prolífica pluma y cuya obra completa puede llenar casi un centenar de volúmenes. La principal de ellas es Ana Karenina (1875-1876), donde se relata una febril pasión adúltera, pero también son impresionantes La sonata a Kreutzer (1890), curiosa condenación del matrimonio, y la que es acaso más patética de todas: La muerte de Iván Ilich (1885).
Al igual que algunos de sus personajes, el final de Tolstoi tampoco estuvo exento de dramatismo y el escritor expiró en condiciones bastante extrañas. Había vivido los últimos años compartiendo casi todo su tiempo con depauperados campesinos, predicando con el ejemplo su doctrina de la pobreza, trabajando como zapatero durante varias horas al día y repartiendo limosna. Muy distanciado de su familia, que no podía comprender estas extravagancias, se abstenía de fumar y de beber alcohol, se alimentaba de vegetales y dormía en un duro catre.
Por último, concibió la idea de terminar sus días en un retiro humilde y el octogenario abandonó su hogar subrepticiamente en la sola compañía de su acólito el doctor Marivetski, que había dejado su rica clientela de la ciudad para seguir los pasos del íntegro novelista. Tras explicar sus razones en una carta a su esposa, partió en la madrugada del 10 de noviembre de 1910 con un pequeño baúl en el que metió su ropa blanca y unos pocos libros. Durante algunos días nada se supo de los fugitivos, pero el 14 Tolstoi fue víctima de un grave ataque pulmonar que lo obligó a detenerse y a buscar refugio en la casa del jefe de estación de Astapovo, donde recibió los cuidados solícitos de la familia de éste. Sofía llegó antes de que falleciera, pero no quiso turbar la paz del moribundo y no entró en la alcoba hasta después del final. Le dijeron, aunque no sabemos si la anciana pudo encontrar consuelo en esa filantropía tan injusta para con ella, que su últimas palabras habían sido: "Amo a muchos."
En cierto modo, la biografía de León Tolstoi constituye una infatigable exploración de las claves de esa sociedad plural y a menudo cruel que lo rodeaba, por lo que consagró toda su vida a la búsqueda dramática del compromiso más sincero y honesto que podía establecer con ella. Aristócrata refinado y opulento, acabó por definirse paradójicamante como anarquista cristiano, provocando el desconcierto entre los de su clase; creyente convencido de la verdad del Evangelio, mantuvo abiertos enfrentamientos con la Iglesia Ortodoxa y fue excomulgado; promotor de bienintencionadas reformas sociales, no obtuvo el reconocimiento ni la admiración de los radicales ni de los revolucionarios; héroe en la guerra de Crimea, enarboló después la bandera de la mansedumbre y la piedad como las más altas virtudes; y, en fin, discutible y discutido pensador social, nadie le niega hoy haber dado a la imprenta una obra literaria inmensa, una de las mayores de todos los tiempos, donde la epopeya y el lirismo se entreveran y donde la guerra y la paz de los pueblos cobran realidad plásticamente en los lujosos salones y en los campos de batalla, en las ilusiones irreductibles y en los furiosos tormentos del asendereado corazón humano.

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TRIER, Lars von

Copenhague, 30 de abril de 1956. De padres comunistas y nudistas, von Trier fue criado en un ambiente de pensamiento de izquierda y de amantes de películas. A la edad de 11 tuvo su primera cámara, una Super 8 con la que filmaba a sus amigos en producciones caseras y entró en la escuela de cine de Copenhague en la década de 1980. En 1981 y 1982 ganó varios premios en el Festival de Cine de Munich por sus películas de estudiante.
En 1983, después de haberse graduado tuvo su película debut: The Element of Crime (1984), con esta película logró llamar la atención en el Festival de Cine de Cannes donde recibió un premio por Logro Técnico.
Von Trier agregó “von” a su nombre cuando sus amigos en la escuela de cine le pudieron el sobrenombre de von Trier. Por este motivo agregó von para homenajear a Erich von Stroheim.
Lars von Trier continuó con su trilogía europea siguiéndole con la película Epidemic en 1987. Epidemic se trataba de un director –interpretado por él mismo- que trataba de juntar dinero para hacer una película dentro de una película acerca de un virus que diezmaba a Alemania.
Después de Medea para la televisión danesa en 1988, von Trier culminó su trilogía europea con Europa en 1991. una comedia negra ubicada en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. Europa consiguió llamar la atención de sus espectadores con el uso de superposiciones, proyección trasera, y cambios dramáticos entre escenas en blanco y negro y color, retitulada Zentropa para la versión estadounidense, con Europa von Trier logró el reconocimiento cinematográfico. Desilusionado por su tercer puesto en el Festival de Cannes von Trier aceptó el premio agradeciendo al “enano” presidente del jurado Roman Polanski.
Lars von Trier continuó experimentando con su visión fílmica a través de un proyecto de filmación llamado Dimension, que será filmado en segmentos de tres minutos durante treinta años. Los resultados de esta película todavía están por verse.
Rebelado contra su pasado al enterarse a través de su padre biológico sobre la muerte de su madre y el hecho de que a su padre no le importara nada sobre von Trier, además de convertirse al catolicismo, von Trier terminó con su perfeccionismo caracterizado en la trilogía europea. Queriendo lograr una honestidad admiraba al trabajo iconoclasta de Carl Theodore Dreyer con su castidad artística autoimpuesta. Fue así como se convirtió en el coautor de Dogme 95 con Dane Thomas Vinterberg lanzando un llamado colectivo que exhorta el regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo.
Por este motivo sus películas son rodadas con cámara al hombro -sólo en contadas ocasiones con una cámara fija. Una de las características fundamentales de este tipo de películas es que se utiliza la iluminación natural y el tipo de edición es imprevisto con algunas escenas y tomas cortadas en el medio del diálogo de los personajes que no encajan con los tiempos dándoles un aspecto documental o informal para crear un mayor realismo (sobre todo en momentos críticos de las películas), aspecto que para la crítica, puede considerarlo como desprolijo o como un método de abreviación.
En junio de 1989 Lars von Trier se describió a sí mismo en una entrevista como “Un melancólico danés masturbándose en la oscuridad ante las imágenes de la industria del cine”. A pesar de que von Trier buscaba una audiencia más amplia con películas de habla inglesa consiguió gracias a su éxito la resurrección del cine escandinavo.
Con su film "Dogville", que sitúa en el contexto espacial de la norteamérica post-depresión, Lars von Trier cosechó innumerables críticas negativas en Estados Unidos por un retrato nada complaciente de una pequeña comunidad representativa no ya del carácter americano en particular, sino del de cualquier pequeña comunidad humana. Con su último trabajo: "Manderlay" (2005), Lars von Trier desarrolla la trilogía iniciada con Dogville, estudiando en su microscopio socio-moral la evolución psicológica de sus personajes que son, como él mismo dice, pero no tenemos por qué creer sus palabras, un desdoblamiento de sí mismo."
Por su película Breaking the Waves, que trataba sobre el sacrificio de una mujer y su martirio sexual, se destacó con la intervención del cinematógrafo Robby Müller y el surgimiento de la nueva actriz Emily Watson quien interpetó un papel intenso y de carácter simple, recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes . Breaking the Waves estaba segmentada en capítulos coloreados realizados por el pintor Pers Kirkeby. Emily Watson, por otra parte recibió una nominación al Oscar por Mejor Actriz.
Después del éxito de alcanzado por The Celebration de Vinterberg, von Trier presentó su propio trabajo del Dogma con la película Idioterne (1998), película rodada en video digital por la que von Trier logró llamar la atención al negarse a cortar una secuencia de desnudos para una escena de orgía limitándose solamente a cubrir los genitales con barras negras. En 1999 von Trier se sintió ofendido cuando los productores realzaron los colores artificialmente para el lanzamiento en video, algo que iba en contra del movimiento del Dogma 95.
En 1999, después de haber sido el productor ejecutivo de una novela para la televisión de Dinamarca llamada Morten Korch von Trier se embarcó para la realización de un drama-musical; fue así como en 2000 realizó Dancer In The Dark, película por la que recibió la Palma de Oro en Cannes por Mejor Película y Mejor Actriz para la cantante islandesa Björk quien hizo el papel de Selma, una inmigrante checa que se estaba quedando ciega.
Con Dancer in the Dark von Trier tuvo otra vez la posibilidad de sorprender al público a través del uso de 100 cámaras digitales fijas que fueron empleadas para las escenas de la canción de Björk “I've Seen It All” las cuales transcurren en un tren en movimiento.
Por otra parte, “I've Seen It All” fue nominada a un Oscar por Mejor Canción en 2001.
Con Dancer in the Dark, von Trier inició una trilogía sobre Estados Unidos. La segunda parte fue Dogville presentada en 2003 con la participación de la actriz australiana Nicole Kidman encarando el papel de Grace, una mujer que está escapando de un pasado misterioso.
Junto con Manderlay, que es la tercera parte, von Trier trata de reflejar la vida de personajes que sufren y son humillados a lo largo de la historia a causa de una sociedad individualista y en donde la falta de confianza, de humildad, el egoísmo, el poder e intereses personales llevan al desencadenamiento de hechos violentos y a un trato injusto que denotan las consecuencias de una sociedad enferma.
Una peculiaridad acerca de von Trier es que tiene agorafobia (pánico a volar) y por este motivo, jamás ha salido más allá de lo que se lo permiten las carreteras, dificultándole de esta manera las ocasiones en las que sus películas se basan en territorios extranjeros como los Estados Unidos, para ello siempre ha recurrido a locaciones en Dinamarca y alrededores.

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UNAMUNO, Miguel

(Bilbao, 1864 - Salamanca, 1936) Escritor, poeta y filósofo español, principal exponente de la Generación del 98.
Entre 1880 y 1884 estudió filosofía y letras en la universidad de Madrid, época durante la cual leyó a T. Carlyle, Herber Spencer, Friedrich Hegel y Karl Marx. Se doctoró con la tesis Crítica del problema sobre el origen y prehistoria de la raza vasca, y poco después accedió a la cátedra de lengua y literatura griega en la universidad de Salamanca, en la que desde 1901 fue rector y catedrático de historia de la lengua castellana.
Inicialmente sus preocupaciones intelectuales se centraron en las cuestiones éticas y los móviles de su fe. Desde el principio trató de articular su pensamiento sobre la base de la dialéctica hegeliana y más tarde acabó buscando en las dispares intuiciones filosóficas de Spencer, Sören Kierkegaard, W. James y H. Bergson, entre otros, vías de salida a su crisis religiosa.
Sin embargo, las contradicciones personales y las paradojas que afloraban en su pensamiento actuaron impidiendo el desarrollo de un sistema coherente, de modo que hubo de recurrir a la literatura, en tanto que expresión de la intimidad, para resolver algunos aspectos de la realidad de su yo. Esa angustia personal y su idea básica de entender al hombre como "ente de carne y hueso", y la vida como un fin en sí mismo se proyectaron en obras como En torno al casticismo (1895), Mi religión y otros ensayos (1910), Soliloquios y conversaciones (1911) o Del sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos (1913).
El primero de los libros fue en realidad un conjunto de cinco ensayos en torno al "alma castellana", en los que opuso al tradicionalismo la "búsqueda de la tradición eterna del presente", y defendió el concepto de "intrahistoria" latente en el seno del pueblo frente al concepto oficial de historia. Según propuso entonces, la solución de muchos de los males que aquejaban a España era su "europeización".
Sin embargo, estas obras no parecían abarcar, desde su punto de vista, aspectos íntimos que formaban parte de la realidad vivencial. De aquí que literaturizase su pensamiento primero a través de un importante ensayo sobre dos personajes clave de la literatura universal en la Vida de don Quijote y Sancho (1905), obra en la que, por otra parte y en flagrante contradicción con la tesis europeísta defendida en libros anteriores, proponía "españolizar Europa". Al mismo tiempo, apuntó que la relación entre ambos personajes cervantinos simbolizaba la tensión existente entre ficción y realidad, locura y razón, que constituye la unidad de la vida y la común aspiración a la inmortalidad.
El siguiente paso fue la literaturización de su experiencia personal a fin de dilucidar la oposición entre la afirmación individual y la necesidad de una ética social. El dilema planteado entre lo individual y lo colectivo, entre lo mutable y lo inmutable, el espíritu y el intelecto, fue interpretado por él como punto de partida de una regeneración moral y cívica de la sociedad española. Él mismo se tomó como referencia de sus obsesiones del hombre como individuo. "Hablo de mí porque es el hombre que tengo más cerca."
Su narrativa progresó desde sus novelas primerizas Paz en la guerra (1897), y Amor y pedagogía (1902) hasta la madura La tía Tula (1921). Pero entre ellas escribió Niebla (1914), Abel Sánchez (1917), y sobre todo Tres novelas ejemplares y un prólogo (1920), libro que ha sido considerado por algunos críticos como autobiográfico, si bien no tiene que ver con hechos de su vida, sino con su biografía espiritual y su visión esencial de la realidad: con la afirmación de su identidad individual y la búsqueda de los elementos vinculantes que fundamentan las relaciones humanas.
En ese sentido, sus personajes son problemáticos y víctimas del conflicto surgido de las fuertes tensiones entre sus pasiones, y los hábitos y costumbres sociales que regulan sus comportamientos y marcan las distancias entre la libertad y el destino, la imaginación y la conciencia.
Su producción poética comprende títulos como Poesía (1907), Rosario de sonetos líricos (1912), El Cristo de Velázquez (1920), Rimas de dentro (1923) y Romancero del destierro (1927), éste último fruto de su experiencia en la isla de Fuerteventura, adonde lo deportaron por su oposición a la dictadura de Primo de Rivera. También cultivó el teatro: Fedra (1924), Sombras de sueño (1931), El otro (1932) y Medea (1933).
Sus poemas y sus obras teatrales abordaron los mismos temas de su narrativa: los dramas íntimos, amorosos, religiosos y políticos a través de personajes conflictivos y sensibles ante las formas evidentes de la realidad. Su obra y su vida estuvieron estrechamente relacionadas, de ahí las contradicciones y paradojas de quien Antonio Machado calificó de "donquijotesco".
Considerado como el escritor más culto de su generación, fue sobre todo un intelectual inconformista que hizo de la polémica una forma de búsqueda. Jubilado desde 1934, sus manifiestas antipatías por la República española llevaron dos años más tarde al gobierno rebelde de Burgos a nombrarlo nuevamente rector de la universidad de Salamanca, pero fue destituido a raíz de su pública ruptura con el fundador de la Legión. En 1962 se publicaron sus Obras completas y en 1994 se dio a conocer la novela inédita Nuevo mundo.

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VELARDE Fuertes, Juan

(Salas, Asturias, 1927) Economista español. Catedrático de estructura e instituciones económicas en las universidades de Barcelona y Madrid y director de la Revista del Trabajo y de Anales de Economía, ha realizado numerosos estudios sobre la economía española: Flores de Lemus ante la economía española (1961), La política económica de la dictadura (1968), Sobre la decadencia económica de España (1969), Economía y sociedad de la transición (1978), La larga contienda sobre la economía liberal (1978), Decadencia y crisis en Andalucía (1982), La hacienda pública en la dictadura (1986). En 1989 fue nombrado vicepresidente de la Comisión de Economía y Hacienda del Partido Popular y, en 1991, consejero del Tribunal de Cuentas. Premio Príncipe de Asturias de Ciencias Sociales (1992) y premio Jaime I de Economía (1996).

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WILDE, Oscar

(Dublín, 1854 - París, 1900) Escritor británico. Hijo del cirujano William Wills-Wilde y de la escritora Joana Elgee, Oscar Wilde tuvo una infancia tranquila y sin sobresaltos. Estudió en la Portora Royal School de Euniskillen, en el Trinity College de Dublín y, posteriormente, en el Magdalen College de Oxford, centro en el que permaneció entre 1874 y 1878 y en el cual recibió el Premio Newdigate de poesía, que gozaba de gran prestigio en la época.
Oscar Wilde combinó sus estudios universitarios con viajes (en 1877 visitó Italia y Grecia), al tiempo que publicaba en varios periódicos y revistas sus primeros poemas, que fueron reunidos en 1881 en Poemas. Al año siguiente emprendió un viaje a Estados Unidos, donde ofreció una serie de conferencias sobre su teoría acerca de la filosofía estética, que defendía la idea del «arte por el arte» y en la cual sentaba las bases de lo que posteriormente dio en llamarse dandismo. A su vuelta, Oscar Wilde hizo lo propio en universidades y centros culturales británicos, donde fue excepcionalmente bien recibido. También lo fue en Francia, país que visitó en 1883 y en el cual entabló amistad con Verlaine y otros escritores de la época.
En 1884 contrajo matrimonio con Constance Lloyd, que le dio dos hijos, quienes rechazaron el apellido paterno tras los acontecimientos de 1895. Entre 1887 y 1889 editó una revista femenina, Woman’s World, y en 1888 publicó un libro de cuentos, El príncipe feliz, cuya buena acogida motivó la publicación, en 1891, de varias de sus obras, entre ellas El crimen de lord Arthur Saville.
El éxito de Wilde se basaba en el ingenio punzante y epigramático que derrochaba en sus obras, dedicadas casi siempre a fustigar las hipocresías de sus contemporáneos. Así mismo, se reeditó en libro una novela publicada anteriormente en forma de fascículos, El retrato de Dorian Gray, la única novela de Wilde, cuya autoría le reportó feroces críticas desde sectores puritanos y conservadores debido a su tergiversación del tema de Fausto.
No disminuyó, sin embargo, su popularidad como dramaturgo, que se acrecentó con obras como Salomé (1891), escrita en francés, o La importancia de llamarse Ernesto (1895), obras de diálogos vivos y cargados de ironía. Su éxito, sin embargo, se vio truncado en 1895 cuando el marqués de Queenberry inició una campaña de difamación en periódicos y revistas acusándolo de homosexual. Wilde, por su parte, intentó defenderse con un proceso difamatorio contra Queenberry, aunque sin éxito, pues las pruebas presentadas por este último daban evidencia de hechos que podían ser juzgados a la luz de la Criminal Amendement Act.
El 27 de mayo de 1895 Oscar Wilde fue condenado a dos años de prisión y trabajos forzados. Las numerosas presiones y peticiones de clemencia efectuadas desde sectores progresistas y desde varios de los más importantes círculos literarios europeos no fueron escuchadas y el escritor se vio obligado a cumplir por entero la pena. Enviado a Wandsworth y Reading, donde redactó la posteriormente aclamada Balada de la cárcel de Reading, la sentencia supuso la pérdida de todo aquello que había conseguido durante sus años de gloria.
Recobrada la libertad, cambió de nombre y apellido (adoptó los de Sebastian Melmoth) y emigró a París, donde permaneció hasta su muerte. Sus últimos años de vida se caracterizaron por la fragilidad económica, sus quebrantos de salud, los problemas derivados de su afición a la bebida y un acercamiento de última hora al catolicismo. Sólo póstumamente sus obras volvieron a representarse y a editarse. En 1906, Richard Strauss puso música a su drama Salomé, y con el paso de los años se tradujo a varias lenguas la práctica totalidad de su producción literaria.

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MONTAIGNE, Michel Eyquem

(Michel Eyquem, señor de Montaigne; Périgueux, Francia, 1533-Burdeos, id., 1592) Escritor y ensayista francés. Nacido en el seno de una familia de comerciantes bordeleses que accedió a la nobleza al comprar la tierra de Montaigne en 1477, fue educado en latín, siguiendo el método pedagógico de su padre. Más tarde, ingresó en una escuela de Guyena (hoy Aquitania), donde estudió poesía latina y griega, y en 1549 empezó a estudiar derecho en la Universidad de Tolosa.
A partir de 1554 fue consejero en La Cour des Aides de Périgueux, sustituyendo a su padre, y cuando ésta se disolvió, pasó a formar parte del Parlamento de Burdeos. Allí conoció al poeta y humanista Étienne de la Boétie, con quien trabó amistad. Poco interesado por sus funciones parlamentarias, frecuentó un tiempo la vida de la corte. En 1565 se casó con Françoise de La Chassagne, y tres años después murió su padre, heredando la propiedad y el título de señor de Montaigne, lo que le permitió vender su cargo en 1570.
Para cumplir la última voluntad de su padre, acabó y publicó en 1569 la traducción de la Teología natural, de Ramón Sibiuda, libro al que volvería años más tarde en los Ensayos (Essais) con la intención de rebatirlo. Un año más tarde viajó a París para publicar en un volumen las poesías latinas y las traducciones de su amigo La Boétie, cuya muerte, en 1563, le había afectado profundamente.
Por fin, el 28 de febrero de 1571 pudo cumplir su deseo de retirarse a sus propiedades para dedicarse al estudio y la meditación, y emprendió, al cabo de un año, la redacción de los Ensayos, combinándola con la lectura de Plutarco y Séneca. No obstante, su retiro duró poco, ya que tuvo que hacerse cargo de nuevos compromisos sociales y políticos a causa de las guerras de religión que asolaban su país y en las que tuvo que prestar su ayuda de diplomático (hecho que se refleja en el libro primero de los Ensayos, dedicado básicamente a cuestiones militares y políticas). La primera edición de los Ensayos, en diez volúmenes, apareció en 1580.
A finales de ese mismo año, aquejado ya problemas de salud, emprendió un largo viaje a Italia que se vio obligado a interrumpir en 1581, cuando recibió la noticia de su elección como alcalde de la ciudad de Burdeos. Durante su primer mandato publicó la segunda edición de los Ensayos (1582). Reelegido para un segundo mandato (1583-1585), tuvo que alternar sus funciones municipales con la tarea de intermediario político entre la ciudad y el rey, y actuó como mediador en las intrigas de la Liga, lo que le valió el favor de Enrique de Navarra.
Fue ésta su última misión política antes de consagrarse únicamente a su obra, que reanudó a partir de 1586, tras abandonar la ciudad a causa de la peste que se había declarado inmediatamente después de concluir su segundo mandato. En 1588 apareció una nueva edición de los Ensayos, con el añadido de un tercer libro. Con motivo de esta nueva publicación, conoció en París a Mademoiselle de Gournay, una gran admiradora suya, con quien mantuvo una especial relación que duraría hasta el final de su vida. Retirado ya definitivamente, tras este último viaje a París y algunos altercados que lo llevaron a prisión, preparó la última edición de los Ensayos, de la que se encargaría M. de Gournay en 1595, mientras él se dedicaba al estudio de los clásicos latinos y griegos.
La progresiva evolución de Montaigne hacia una mayor introspección convierte la versión definitiva de los Ensayos en un libro de confesiones en que el autor, profesando un escepticismo moderado, se revela a sí mismo y muestra su curiosidad por todos los aspectos del alma humana, desde el detalle más ínfimo hasta elevadas cuestiones de religión, filosofía o política. Su perspectiva racional y relativista le permite enfrentarse a toda clase de dogmatismos y superarlos, y abre la puerta a una nueva concepción secularizada y crítica de la historia y la cultura, capaz de integrar los nuevos descubrimientos de su tiempo, como los pueblos del Nuevo Mundo.

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